Historia de la Música Popular - PEL

Asistencias a la fecha

2010-09-21T14:13:00.001-07:00

Notas Control 4

2010-09-21T14:04:00.001-07:00

suspensión clase martes 14 de sept.

2010-09-13T14:54:00.001-07:00

Estimados: debido a que tengo que guardar reposo producto de una bronquitis, no realizaré ninguna actividad académica el martes 14 de septiembre. Nos vemos el martes 21, en horario normal.

Saludos
JMC

Notas control 3

2010-09-07T15:34:00.001-07:00

Estado de Asistencias Actualizado

2010-09-07T15:05:00.000-07:00

Free Jazz

2010-09-03T15:04:00.000-07:00

Audiciones recomendadas:

Free Jazz (Ornette Coleman Double Quartet, “Free Jazz”, USA 1961; 37:10) parte 1, parte 2.
Ghosts (Albert Ayler, "Ghosts" USA, 1964)
Ascencion (John Coltrane, "Ascencion", USA, 1965) parte 1, parte 2, parte3, parte 4
Cecil Taylor en concierto, Munich 1984 : parte 1, parte 2, parte 3, parte 4, parte 5

Algunas definiciones:

La “libertad” fue un término de fuertes implicancias en el discurso público estadounidense de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta (…). El movimiento de los derechos civiles de aquella época hizo elevar la palabra a la categoría de grito de guerra, planteándola como meta (…). Los Freedom Riders luchaban contra la segregación en los autobuses y estaciones del profundo sur, a menudo corriendo un gran riesgo personal. El Freedom Vote de 1963 atrajo a decenas de miles de participantes para frustar unas elecciones que demostraban la ausencia de una verdadera democracia representativa en el sur. En el Freedom Summer del año siguiente los activistas se organizaron para registrar a los votantes afroamericanos en grandes números ante la llegada de las elecciones presidenciales en otoño (…). Los líderes negros intentaron formar Freedom Schools y establecer un Freedom Democratic Party (…). Es imposible comprender el movimiento del free jazz de estos mismos años sin entender como se alimentó de este intenso cambio cultural en la sociedad americana. Sus practicantes lo defendían mucho más que la libertad de las estructuras armónicas o las formas compositivas - aunque eso también fuese una parte escencial de su visión del jazz. Muchos de ellos vieron su música como intrínsecamente política. Gioia, Ted .
The History of Jazz. Oxford: Ted Gioia/Oxford University Press, 1997

Las circunstancias que caracterizan este estilo son absolutamente revolucionarias en la historia del jazz, aunque algunas de ellas ya se habían ensayado (desde otra óptica) en el campo de la música contemporánea:
- El ritmo no se localiza en ningún grupo de instrumentos, sino que se extiende a la globalidad en forma de impulsos, de energía. Es decir, se trata de un visión moderna de la polirritmia del hot.
- Los tempos se conciben de manera herética respecto de la ortodoxia occidental, variando de manera perceptible.
- La melodía y el ritmo no se tratan como sectores independientes, sino interrelacionados.
- A los acordes y la estructura melódico-armónica se enfrenta la invención espontánea, la acción y la atonalidad.
- Se pierde totalmente el concepto de fraseo, llegándose a una autonomía de los distintos sonidos, ampliándose la entonación y el timbre específico de los instrumentos al campo de los ruidos.
- Se incorporan experiencias sonoras y filosóficas de otras músicas del mundo, especialmente de África.

Todos estos aspectos suponen, realmente, un intento de «vuelta a lo africano» sin renuncia a la modernidad, incluso con especial énfasis en la modernidad. Aparecen aspectos que recuperan elementos esenciales del hot, como la improvisación colectiva, la polirritmia, la vocalización de los instrumentos, etc.
http://es.wikipedia.org/wiki/Free_jazz

Latin Jazz

2010-09-03T14:38:00.000-07:00

Audiciones recomendadas:

Alfonsina y el mar (Claudia Acuña, “Wind from the south”, Chile-USA 1999)
Morning (Poncho Sanchez , “Afro-Cuban Fantasy”, USA 1998)
Garota de Ipanema (Elis Regina & Hermeto Pascoal , “13th Montreaux Jazz Festival” Brasil-Suiza 1979)
Irakere en vivo (Cuba)

Algunas definiciones:

Latin jazz es el término gral. Dado a la fusión del jazz con ritmos lationamericanos, la mayoría caribeños. El Latin Jazz de origen brasilero incluye el Bossa Nova, y el de origen caribeño incluye un grra número de subgéneros : el cubop, el son, el mambo, el bolero, la cumbia, el cha cha cha, la salsa, etc.. Otras no menos importantes corrientes del género son la Onda Nueva venezolana y el Tango Contemporáneo argentino. Como intérpretes importantes de jazz latino podemos mencionar a Gato Barbieri, Bebo Valdés, Rubén González, Cachao, Chucho Valdés, Tito Puente, Puntilla, Chico o'farrill, Carlos "Patato" Valdés,Michel Camilo, Gonzalo Rubalcaba, Paquito D'Rivera, Cal Tjader, Poncho Sánchez, Jerry González, Arturo Sandoval, Eliane Elias, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Michel Camilo, Horacio Hernandez, y Luis Salinas. Una buena referencia sobre este género es la película/documental llamada "Calle 54", dirigida por Fernando Trueba, en la que se puede ver y escuchar a algunos de los músicos anteriormente mencionados y apreciar este género.
http://es.wikipedia.org/wiki/Latin_jazz
La música cubana, en sus géneros “salsa” y “latin jazz”, es una de las músicas más fecundas del siglo XX. Cuba, en efecto, a dejado un número impresionante de ritmos incandescentes: rumba, mambo, cha cha cha, pachanga, que han influido tanto a los jazz men como a los compositores populares y clásicos. (…) Esta música cubana se ha desarrollado a través de dos ejes que en ocasiones se confunden : el repertorio bailable, llamado después de la década del sesenta “salsa”, y el “Latin jazz”. Leymarie, Isabelle.
La Salsa et le Latin Jazz. Paris: Presses Universitaires de France, 1993.

Asistencias hasta ahora

2010-09-01T16:29:00.001-07:00

Estimados, va abajo el estado de cosas en cuanto a asistencias. Ojo los que están en rojo, pues están por debajo del 75%. Recomiendo en estos casos no faltar más, paara no tener problemas con la aprobación del ramo.

Hay un par de ilustres que han asistido ocasionalmente, al final de la lista.

saludos

Notas Control 2 y Seminarios a la fecha

2010-08-20T16:51:00.000-07:00

Breve revisión histórica del rock en Chile

2010-08-20T15:47:00.000-07:00

Década 60 : Nueva Ola

Identificación con generaciones jóvenes
Se requieren “ídolos nacionales”, símiles de los extranjeros, pero alcanzables para el público medio.
Luis Dimas, Buddy Richard, José Alfredo Fuentes, Cecilia, Gloria Benavides, los Blues Splendor, Alan y sus Bates, Los Tigres, the Ramblers, don Giovanni y los Dolcevitos
Imitación del rock’n roll norteamericano, mezclado con la balada romántica.

Ejemplos de Audio:

Verano sin amor, Blue Splendor
Recuerdos de Verano, Alan y sus Bates
Embustera, Los Tigres

Invasión Británica:
La música The Who y Rolling Stones influyen en el nacimiento de grupos como los Jockers, los Vidrios Quebrados, los Sonnys (dirigidos por Raúl Alarcón), los Mac’s (Payo Grondona). Incipiente rebeldía generacional.

Ejemplos de Audio:

“La Muerte de mi hermano”, Los Mac’s
“Fictions” , Vidrios Quebrados
“La Carta”, Los Sonnys

Primer Decaimiento:

Propuestas artístico musicales débiles, muy aferradas a la copia del lo quye se hacía en EE.UU. Y UK.
Carencia de conocimientos, carencia de tecnología adecuada (muy caro).
Crecimiento de la Nueva Canción Chilena y del movimiento popular de los sesentas.

Los Setenta:

El rock nacional se apropia de elementos de raíz folklórica nacional o lationamericana.
La existencia del Sello IRT, perteneciente a la CORFO, fomenta la porducción de música nacional.

Ejemplos de Audio:

“Maestranzas de noche”, Congreso (“el congreso”, 1971)
“Cacho”, Los Jaivas (“el volantín”, 1971)
“Los Momentos”, Los Blops (“blops”, 1970)
“Arrebol”, Congregación (“congregación viene”, 1972)
“Corre a los campos”, Embrujo (“embrujo”, 1971)
“Escúchame”, En busca del Tiempo Pedido (single, 1973)

Además, en los 70s se desarrolla paralelamente un Rock que se sigue desarrollando sin buscar necesariamente una síntesis o adecuación latinoamericana:

Evol, Aguaturbia (“aguaturbia vol.1, 1970)
Sin Ti, Frutos del País (“frutos del país”, 1972)

Segundo Decaimiento: Golpe de estado 1973.

Producción artística se pone bajo vigilancia, para aplicar censura o desarticulación.
Se retiran y destruyen muchos masters
Nueva Canción comienza años de exilio. Victor Jara es asesinado.
Crisis y estancamiento. El rock será casi ignorado después del golpe, y en la práctica no existirá movimiento. Solo un circuito de grupos que seguirán recreando el patrón anglosajón.

Ejemplos de Audio:

Arena Movediza (angel del mal)
Influjo
Millantún (ej.: Tren a la eternidad)

Excepciones (continuación de la síntesis de principios de los 70):

“Canción de la Verónica”, Congreso (“Terra Incógnita”, 1975)
“Allegro ma non troppo”, Los Blops (“Locomotora”, 1974)

Los ochentas:

1983 - 1985 protestas masivas en Chile. Esto provoca una relativa apertura del régimen.
Nueva generación joven, en buen porcentaje ignorante de la historia político cultural chilena.
En UK y EEUU, los paradigmas del rock se renuevan con el punk y el postpunk.
Amplio desarrollo del rock argentino.
Esto provoca el nacimiento de lo que se conoció entonces como el “nuevo pop chileno”.

Características del nuevo pop chileno:

Toma elementos del punk, postpunk, y de la balada romántica.
Textos ausentes de las metáforas o eufemismos (propios del canto nuevo).
Vuelta al formato canción
Los grupos iniciadores se mueven primero en ambientes de elite. La llegada de estos a los medios de comunicación los hace masivos.

Ejemplos de Audio:

Maldito Sudaca , Los Prisioneros (“La Voz de los 80’s, 1984)
Sueldos , Upa (“Upa”, 1986)
Enciende tu corazón, Viena (“viena”, 1987)

Raices del rock, rythm & blues y rock'n roll

2010-08-20T05:41:00.000-07:00

Antecedentes de orígen europeo:

“Uncle pen” Bill Monroe & the Bluegrass Band

El nombre bluegrass procede del nombre del área en que se originó, llamada Bluegrass region que incluye el norte del estado de Kentucky; a su vez, la región tomó su nombre de la palabra "bluegrass" ("hierba azul"), nombre común de una hierba, frecuente en la zona.
Bill Monroe, llamado el "padre del bluegrass" fundó en 1939 el grupo Blue Grass Boys, cuyo nombre era un homenaje a su estado natal, Kentucky. Este es el origen de la utilización del término para designar el estilo musical. El término no se popularizó en Estados Unidos hasta los años 50. Sus instrumentos principales suelen ser guitarra, banjo, mandolina, violín y bajo , y la parte vocal es armonizada en trío o dúo, siempre con una voz muy alta de característico sonido desgarrado ("high lonesome sound“). Las letras cuentan historias sencillas de tipo dramático, amoroso o religioso vistas desde el punto de vista de un montañés.

Antecedentes de orígen Africano:

Algunas definiciones y ejemplos de audio:

“The Sun didn't Shine” The Golden Gate Jubilee
Los Jubilee quartets fueron grupos GOSPEL que existieron durante la primera mitad del siglo XX. El nombre deriva del Fisk Jubilee Quartet, grupo vocal masculino organizado por estudiantes de la Fisk University en 1871 que interpretaban Negro spirituals, los que se cantaban anetriormente sólo por coros mixtos. El Golden Gate Jubilee Quartet fue el más exitoso de todos los grupos de música GOSPEL que cantaban en el estilo jubilee quartet , combinando inteligentes arreglos con ritmos provemninetes del blues y del jazz.
La música gospel, en su definición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo popular durante la década de 1930.
La palabra original es GodSpell, que en castellano se traduce como «llamada de Dios». A esta forma de cantar se le denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana.
“Rock me Mama” Arthur Big Boy Crudup
Arthur "Big Boy" Crudup (Ag. 24, 1905 — Mar. 28, 1976) guiatrista y cantante de blues (urban delta blues). Es conocido por escribir los temas que después interpretó Elvis Presley : "That's All Right (Mama)" (1946), "My Baby Left Me" y "So Glad You're Mine.“
El Delta blues es uno de los primeros tipos de urban blues. Se originó en el delta del Mississipi. Los instrumentos principales de este estilo son la voz, la guitarra y la armónica.

Rythm & Blues:

“Shake, Rattle & Roll” Big Joe Turner, 1952 (versión en vivo)
Big Joe Turner (Joseph Vernon Turner Jr., Mayo 18, 1911 – Nov.r 24, 1985) fue un Shouter de blues de Kansas City, Missouri. Conocido como The Boss of the Blues.
"Roll baby roll", Floyd Dixon

Rock'n Roll:

“Rock Around the Clock” Bill Haley, 1955
Datos interesantes respecto a este tema:

21 de septiembre de 1956; tumultos en Oslo después de la proyección de la película Rock Around the Clock; la policía emplea mano dura para detener a 600 jóvenes...
21 de febrero de 1957; se prohíbe en Indonesia el rock & roll. Es 22 de febrero de 1957; se prohíbe en Argentina el rock & roll...
26 de abril de 1957; el arzobispado católico de Malta advierte a los organizadores de espectáculos musicales para que ‘no carguen con la responsabilidad de corromper almas inocentes permitiendo en rock & roll’.
6 de mayo de 1957; caza de discos de rock & roll en la Europa socialista...
8 de octubre de 1958; el Partido Comunista Rumano prohibe el rock & roll”

“Tutti Frutti” Little Richard, 1955 (versión en vivo)
“Heartbreak Hotel” Elvis Presley, 1957 (versión en vivo)
“Jailhouse Rock” Elvis Presley, 1957
"The Magic Touch” The Platters, 1958
“Roll over Beethoven” Chuck Berry, 1958 (versión en vivo)

Beatles e invasión británica

2010-08-19T12:32:00.000-07:00

Audiciones recomendadas:

Beatles:

“I Saw her Standing There” Please Please Me, 1963
“Anna (go to him)” Please Please Me, 1963

Invasión Británica:

“The House of the Rising Sun” The Animals, 1964
“Can I get a Witness ?" The Rolling Stones, 1964
“Can’t you see that she’s mine ? ” Dave Clark Five, Glad All Over ,1964
“I’m into Something Good ” Herman’s Hermits, 1964 (versión en vivo)
“Here I Go Again” The Hollies, 1964
“You really got me ” the Kinks, You really got me, 1964 (versión en vivo).
“For your love” the Yardbirds, For Your Love, 1965
“My generation” the Who, the Who sings My Generation, 1965 (versión en vivo)

Y mientras tanto, los Beatles seguían:

Beatles (2):

“Help!” Help, 1965
“Drive my car” Rubber Soul, 1965
“Norweigan Wood ” Rubber Soul, 1965
“Taxman” Revolver, 1966
“Eleanor Rigby ” Revolver, 1966
“I’m only sleeping” Revolver, 1966
“Love You To” Revolver, 1966
“Tomorrow never knows” Revolver 1966
“Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band”, ídem, 1967
"A Little Help From My Friends", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Lucy in the sky with diamonds", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Getting Better", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Fixing a Hole", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"She's Leaving Home", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Being for the Benefit of Mr. Kite!", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Within you without you", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"When I'm Sixty Four", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Lovely Rita", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
"Good Morning Good Morning", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967
“Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band (reprise)”, ídem, 1967
"A day in the life", Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band, 1967

Algunos datos:

1957 : A los 16 años, John Lennon forma el grupo de skiffle The Quarrymen junto con algunos compañeros del colegio.
1957 : Paul McCartney (15 años), conoció a Lennon, se le unió como guitarrista, e invitó a su amigo, también guitarrista, George Harrison (14 años).
1959 : Un amigo de Lennon, Stuart Sutcliffe, se unió como bajista y sugirió cambiar el nombre de la banda a "The Beetles" (escarabajos) como homenaje a Buddy Holly y The Crickets ("Los grillos").
1960 : Contratan al batería Pete Best. El quinteto viaja a Hamburgo para tocar en clubes de striptease. Harrison miente sobre su mayoría de edad, lo que termina causando su deportación a fin de año. Una semana más tarde, McCartney y Best fueron deportados también por ocasionar un incendio cuando le prendieron fuego a un preservativo colgado de un clavo en su habitación.
1961-62 : Sutcliffe deja el grupo, y McCartney toma el bajo. El productor hamburgués Bert Kaempfert contrató al cuarteto para acompañar a Tony Sheridan en una serie de grabaciones. Acreditado a "Tony Sheridan and The Beat Brothers", el sencillo "My Bonnie", alcanzó ese año el número 32 en la lista Musikmarkt.
1962 : En Liverpool, durante una de sus frecuentes apariciones en el Cavern Club conocieron a Brian Epstein, dueño de una tienda de discos local y columnista de música, y lo nombran su manager. Después de que Decca Records los rechazase ("Los grupos de guitarra están en pleno declive, señor Epstein"), el productor George Martin les firmó un contrato con el sello Parlophone de EMI. Tuvieron su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de Martin en los Estudios EMI (actualmente Estudios Abbey Road) en junio de 1962. A Martin no le convenció Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiaran. Finalmente, Best fue remplazado por Ringo Starr (baterista de sesión). Lanzado ese año, "Love Me Do" alcanzó el número 17 en la listas del Reino Unido. Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar lo que sería su segundo single, "Please Please Me". Al comprobar que aumentaban el éxito del grupo, Lennon y McCartney establecieron una asociación para componer canciones. Epstein, sintiendo el potencial comercial que tenían, los alentó a que adoptasen una actitud más profesional
1963 : "Please Please Me" (single) alcanza el número dos en el UK Singles Chart. Martin originalmente tenía previsto que el disco debut de The Beatles fuese un LP en vivo en el Cavern Club. Finalmente esta idea fue desechada, y se eligió crear un álbum tipo "en vivo" de una sola sesión (un solo día) en los Estudios EMI. El álbum alcanzó el número 1 en las listas británicas. A partir de ese momento inició una racha casi ininterrumpida de 17 singles (6 años), que alcanzaron el número1 en las listas británicas. A medida que su popularidad se extendió, apareció una adulación desenfrenada hacia ellos, también llamada "Beatlemanía".
1963 : sacan el LP “With The Beatles” , que se convirtió en el segundo álbum en la historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra previamente alcanzada sólo por la banda sonora del musical South Pacific (1958, dirigida por Joshua Logan, obtuvo 3 oscar: mejor cinematografía color, mejor sonido y mejor música - original de Richard Rogers, supervisión musical de Alfred Newman y Ken Darby, con John Williams en el piano).
1963 - EE.UU.: Los lanzamientos de The Beatles en los EE.UU. inicialmente se retrasaron por casi un año, pues Capitol Records, se negó a lanzar sus singles. El éxito en EE.UU. llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público, lo que llevó a Capitol a lanzar "I Want to Hold Your Hand"
Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país de ese entonces—.
En tan sólo una semana lograron situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares. Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.

Psicodelia

2010-08-19T11:47:00.000-07:00

Audiciones recomendadas:

Psicodelia:

“Eight Miles High” Byrds, Fifth Dimension, 1966 (USA)
“I had too much to dream (last night)” Electric Prunes, Electric Prunes (reprise), 1967, USA
"Good Vibrations" - Beach Boys”
“Psychotic reaction ” Count Five, Psychotic Reaction ,1966 (USA)
“Paint it Black” Rolling Stones, Aftermath, 1966 (UK)
“Shapes of Things” Yardbirds, Over under sideways down, 1966, UK (versión en vivo).
“Tuesday Afternoon ” Moody Blues, Days of future passed, 1966 (UK)
“White Rabbit” Jefferson Airplane, Surrealistic Pillow ,1967 (USA)
“Bike ” Pink Floyd, The Piper at the Gates of Dawn, 1967 (UK)
“Purple Haze” Jimi Hendrix en Woodstock, 1968 (USA)
“The Celebration of the Lizard ” The Doors, In Concert, 1991 (USA) :

Hard Rock:

“Dogman” King’s X, Dogman, 1994 (USA)
“La luz te fue” L.A. Spinetta, “Spinetta y los Socios del Desierto”, 1997 (Argentina)
“Roll Over Lay Down” Status Quo, “Live”, 1973 (UK)
“Mistreated” Deep Purple, “Burn”, 1974 (UK)
“Heartbreaker” Led Zepellin,”II” 1969 (UK)
“If 6 was 9” Jimi Hendrix,”Axis: Bold as Love” 1968 (USA)
“Born to be wild” Steppenwolf,” Steppenwolf” 1968 (USA)

Definición:

Psicodelia es la adaptación al español del inglés psychedelia, un neologismo formado a partir de las palabras griegas "alma", y "manifestar". La palabra psicodélico fue inventada por el psicólogo británico Humphry Osmond y significa "que manifiesta el alma". Ajustándose a esa definición, todos los esfuerzos por proyectar el mundo interior de la psique pueden ser considerados, en un sentido amplio, "psicodélicos". Sin embargo, cuando se habla de psicodelia suele aludirse a una modalidad artística muy concreta: el arte psicodélico, sobre todo pictórico y musical, que se desarrolló a partir de los años cincuenta del siglo pasado. Este tipo de arte se caracteriza por evocar las vivencias propias de la experiencia psicodélica: sinestesia, alteración de la percepción del tiempo y del sentido de la identidad, empatía, etc.

La psicodelia alcanza su apogeo en la segunda mitad de los años sesenta y primera de los setenta. Es uno de los componentes más notorios de la Contracultura, pues ofrece una vía de escape de los limites impuestos a la conciencia y a la vida diaria por el sistema dominante. A partir de entonces, pierde notoriedad y va siendo desplazada por otras corrientes culturales, aunque su influencia persiste en múltiples manifestaciones contemporáneas.

La música psicodélica, música ácida o lisérgica (en referencia al ácido lisérgico o LSD), es un género musical que pretende evocar, ya sea lírica o sonoramente, la experiencia psicodélica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Psicodelia

Contexto Histórico: los sesentas

En Latinoamérica los movimientos revolucionarios avanzan, alentados por el ejemplo de la Revolución Cubana.
guerra de Vietnam (1956-1975).
octubre de 1962 : crisis de los misiles en Cuba
22 de noviembre de 1963 : Asesinan a John F. Kennedy
21 febrero de 1965 : Asesinan a Malcolm X
9 octubre de 1967 : Asesinan a Ernesto “Che” Guevara
Summer of love (San Francisco, 1967 - 1969): Nace el movimiento "hippie" que se harían notar en sus protestas pacifistas y se esparcirían por todo el mundo
4 abril de 1968: Asesinan a Martin Luther King
Mayo 1968 : en Francia ocurre la mayor revuelta estudiantil y huelga general de su historia, y posiblemente de Europa Occidental, secundada por más de 9 millones de trabajadores.

El Black Metal (Miguel Torreblanca)

2010-07-13T08:21:00.000-07:00

(textos extraídos de Wikipedia y de la cosecha del autor).

El Black metal es un género musical surgido a mediados de los años 80. Se caracteriza por sus letras anticristianas, anti - moralistas, que abarcan temas que van desde el odio y la misantropía, hasta el satanismo, la violencia, o el ocultismo. Nace como expresión musical de los movimientos anticristianos que proliferan alrededor del continente europeo, cuyo máximo exponente fue la quema de numerosas iglesias cristianas en países tan fuertemente cristianizados como los escandinavos, curiosamente, cuna de dicho género musical.

El black metal tradicional es un género musical muy definido en sus características básicas: voz gutural aguda, guitarras rápidas, oscuras e inusuales armonías (tetracordios y triadas disminuidas o aumentadas) también ritmos sumamente veloces. La característica principal son las letras anti judeo-cristianas. La mayoría de los grupos utilizan métodos doctos en la composición musical, mientras que otros se caracterizan más por la técnica. El black metal originario, de primera y segunda oleada, se caracteriza por un sonido «crudo» a base de guitarras muy distorsionadas, y batería acelerada derivada del thrash metal.

Comúnmente se identifica el verdadero comienzo del black metal con la aparición del movimiento black metal noruego a lo largo de los años 90. Fue durante este período cuando el desarrollo del black metal se hizo patente, sin embargo el origen del género hay que situarlo un poco antes, y en varios lugares.

Durante los años 90 el género alcanzó su máximo esplendor en la región de Escandinavia, cuna del mismo, especialmente en Noruega, donde apareció un movimiento conocido como "True Norwegian Black Metal" famoso por la importante trascendencia musical, temática y estética dentro del género de las bandas que se incluyeron en el mismo, especialmente las bandas que formaron parte del conocido movimiento Inner Circle. El denominado Auténtico Black Metal Noruego, se caracteriza musicalmente por melodías extrañas, frías, desoladas, sombrías y a veces épicas, todo lo cual hace que sea un sonido lleno de atmósferas. En cuanto a las letras, suelen hablar sobre odio, oscuridad, satanismo, paganismo, misantropía y mitología escandinava, entre otros temas.

Características generales:

Voz gutural rasgada y aguda.
Guitarras muy distorsionadas armonizadas en complejas interválicas con superposición de acordes (uso del dodecafonismo).
Inner Circle: organización dedicada a erradicar el cristianismo en Noruega y devolver las creencias y valores paganos.

Estética:

Una clase de maquillaje conocido como corpse paint «pintura cadavérica», a fines de los 70’s la warpaint o facepaint había sido estrenada por bandas de rock como Kiss o Alice Cooper para atraer mayor atención visual y desarrollar un espectáculo mas atractivo.

Responsable: Gene Simmons (Kiss)

Audiciones realizadas en clases:

Dimmu Borgir – disco: “puritanical euphoric misanthropia” – track 4
Dimmu Borgir – disco: “death cult armageddon” – track 2
Emperor – disco: “prometheus” – track 2

El Tango (Luciano Valdebenito)

2010-07-12T16:51:00.000-07:00

Etimología

Tangú: Nigeria y Congo. tambor y bailar (al son del tambor).
Tango : Islas Canarias. S XIX . Reunión de negros para bailar al son del tambor.
Tangó : Sudán, Golfo de Guinea y el Congo. Significaba ‘espacio cerrado’, ‘círculo’ y cualquier espacio privado al que para entrar hay que pedir permiso. Los traficantes de esclavos españoles llamaban así a los lugares donde encerraban a los esclavos, tanto en África como en América. El sitio donde los vendían también recibía ese nombre.

Música

El tango es un género musical y una danza. De naturaleza netamente urbana y renombre internacional, musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y compás de cuatro cuartos (a pesar de que se le llama «el dos por cuatro»). Clásicamente se interpreta mediante orquesta típica o sexteto (voz, bandoneón, violín, piano, guitarra y contrabajo) y reconoce el bandoneón como su instrumento esencial. También existe la Milonga que es de ritmo mucho más rápido y juguetón.

Como estructura se puede decir que recurre a la clásica forma canción precedida generalmente de una vuelta instrumental de la estrofa y coro a modo de introducción con los motivos y líneas melódicas claramente definidas.

Baile

La coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y compleja.

Textos

Las letras están compuestas con base a un argot local llamado lunfardo y suelen expresar las tristezas, especialmente «en las cosas del amor», que sienten los hombres y las mujeres de pueblo (Nostalgia, Volver, Caminito, El día que me quieras, etc.), circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el Blues sin que por ello opte por el tratamiento de otras temáticas, incluso humorísticas y políticas. (Uno, Cambalache, etc.)

Lunfardo (ejemplos)

«Fiaca» (fiacca: 'flaqueza’ en italiano): desgano, pereza;
«Mufa» ('moho' en algún dialecto): fastidio y también mala suerte;
«Gamba» ('pierna' en italiano): alguien que ayuda o tiene buenas intenciones, también ‘cien pesos’ porque «ayudan»;
«Gambetear»: esquivar (principalmente en el fútbol);
«Minga»: 'nada' en dialecto lombardo;
«Yeta» (del italiano gettare: lanzar) mala suerte;
«Yira» o «yiro» (de 'girar, dar vueltas' en italiano): prostituta callejera;
«Atenti» ('atentos' en italiano): atención;
«Salute» ('salud' en italiano);
«Cuore» ('corazón' en italiano), si alguien dice «te quiero de cuore» quiere decir ‘te quiero con el corazón’.

Origen

Si bien el tango reconoce lejanos antecedentes africanos, latinoamericanos y europeos, sus orígenes culturales se han fusionado de tal modo que resulta casi imposible reconocerlos.
En esencia el tango es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y raíz suburbana («arrabalero»), que responde al proceso histórico concreto del biológico y cultural de la población afro criolla y la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que reconstituyó completamente las sociedades rioplatenses, a partir de las últimas décadas del siglo XIX.
Se sabe que el argot del tango, el lunfardo, está plagado de expresiones italianas y africanas; que su ritmo y clima nostálgico tiene un cercano parentesco con la habanera cubana; y que «tango, milonga, malambo, vals, polca y candombe», son parte de una misma familia musical de raíces africanas y también de las costumbres provenientes de los gauchos uruguayos que migraron a la ciudad.

Anécdota de cómo el Tango llega a París

Rechazo al tango por parte de la clase alta y la Iglesia Católica
Embajadores del tango
Después de un periodo prolongado de visitas a burdeles, boites y cabaret donde los adolescentes aristócratas conocen el tango son enviados a Paris a estudiar.
Descubrimiento por parte de los franceses del tango
Regreso en gloria y majestad a Argentina como un movimiento de vanguardia y exclusivo.

Bandoneón

El bandoneón es un instrumento musical aerófono a fuelle, pariente de la concertina (deutsche koncertina), de forma rectangular y sección cuadrada y timbre particular.

Fue diseñado inicialmente en Alemania como evolución de instrumentos de lengüetas sueltas (free-reed) anteriores como la concertina entre otros.

Se dice que su uso fue inicialmente como órgano portátil para ejecutar música religiosa; de ahí su sonido sacro y melancólico único.

Al llegar al Río de la Plata de la mano de marineros e inmigrantes alrededor del año 1900, fue adoptado por músicos de la época y fue así que colaboró en la formación del sonido particular del tango rioplatense, constituyéndose en un verdadero símbolo de éste.

Principales exponentes

Carlos Gardel, quien se inició como payador alrededor de 1910, es el más recordado cantante de tango de los años veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso él mismo y encargó sus letras a su inseparable compañero, el poeta Alfredo Le Pera. Gardel, que comenzó su carrera en comités políticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cantó en París y en Nueva York, filmó varias películas en EE. UU. Se convirtió en un mito para los rioplatenses cuando murió en un accidente de aviación en Medellín (Colombia). Algunos de los tangos famosos de esta primera época son La cumparsita, El choclo, Caminito, El día que me quieras, Por una cabeza, etc.

Alfredo Le Pera. Ángel Villoldo. Aníbal Troilo (1914-1975). Astor Piazzolla (1921-1992). Atilio Stampone. Carlos Di Sarli. Carlos Gardel. Celedonio Esteban Flores. Donato Racciatti. Edgardo Donato. Eduardo Arolas. Eladia Blázquez. Enrique Pedro Delfino. Enrique Santos Discépolo (1901-1951). Enrique Cadícamo. Felix Romero. Juan Carlos Cobián. Juan D’Arienzo (1900-1976). Juan de Dios Filiberto. Francisco Canaro. Francisco De Caro. Gerardo Matos Rodríguez. Gustavo Nocetti. Horacio Ferrer. Horacio Salgán (1916). Homero Expósito. José Razzano. Julián Centeya. Julio Arregui. Julio De Caro. Julio Sosa. Lucio Demare. Mariano Mores. Miguel Villasboas. Olga Del Grossi. Osvaldo Fresedo. Osvaldo Pugliese. Pascual y José María Contursi. Pedro Maffia. Roberto Firpo. Romeo Gavioli. Sebastián Piana. Washington Luna. Virgilio Expósito.

Exponentes contemporáneos

Adriana Varela Alberto Podestá. Astillero. Atilio Stampone. Bajofondo. Cacho Castaña. Carlos Libedinsky. Cristobal Repetto. Daniel Melingo. Guillermo Fernández. Horacio Salgán. José Angel Trelles. Julián Peralta. Julio Pane. La Guardia Hereje. Laura Canoura. Leopoldo Federico. Malena Muyala. María Graña. Mariano Mores. Nelly Omar. Néstor Marconi. Nuevo Quinteto Real. Orquesta El Arranque Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto. Orquesta de Tango de Buenos Aires. Orquesta Típica Serpentina, ex Walter Méndez. Osvaldo Piro. Pablo Mainetti. Raúl Garello. Rodolfo Mederos. Rubén Juárez. 59 Sexteto Mayor. Susana Rinaldi. Victorio Menghi.

Astor Piazolla

Desde fines de los años cincuenta comenzarían a surgir corrientes tangueras renovadoras. Los primeros fueron músicos como Mariano Mores y Aníbal Troilo que empezaron a experimentar con nuevas sonoridades y temáticas. Pero el renovador indiscutido fue el marplatense Astor Piazzolla.

Astor Piazzolla alternaba entre las tardes de música clásica en el Teatro Colón y su pasión por Ígor Stravinski y Bela Bártok, con las noches de tango, y su desempeño como bandoneonista y arreglador musical de la orquesta de Aníbal Troilo (1914-1975). Fusionando creativamente las influencias más diversas, Piazzolla introdujo en el tango armonías disonantes y bases rítmicas intensas y nerviosas que produjeron una transformación radical del género.

La música de Piazzolla produjo una apasionada controversia entre tradicionalistas y renovadores, sobre si «eso» era o no tango. El punto culminante de esa controversia fue el Festival de la Canción de Buenos Aires realizada en el Luna Park en 1969, en el que Astor Piazzolla y el uruguayo Horacio Ferrer presentaron un valsecito tanguero, Balada para un loco, interpretado por Amelita Baltar en la sección correspondiente al tango. La canción produjo un escándalo descomunal que llevó a los organizadores a cambiar las reglas para evitar que Balada para un loco ganara el festival. Pese a ello, el nuevo tango-canción, ganó la adhesión popular, especialmente entre los jóvenes y se volvió un éxito de ventas como hacía años que el tango no tenía.

El dúo Piazzola y Ferrer realizaron otras obras de amplia difusión popular como el tango Chiquilín de Bachín (1968) o la «ópera-tango» María de Buenos Aires (1967), que incluye la bella Fuga y misterio. Piazzolla aportaría composiciones fundamentales como sus Cuatro estaciones porteñas (Verano porteño, Otoño porteño, Invierno porteño y Primavera porteña), la serie del ángel (entre ellas Milonga del ángel y La Muerte del ángel), Libertango, Decarísimo y por sobre todas Adiós Nonino, a la muerte de su padre.

Exponentes de hoy

Gotan Project : Gotan Project es una banda de tango electrónico y electrónica jazzística asentada en París (Francia) que está integrada por el DJ francés Philippe Cohen Solal, el músico suizo Christoph H. Müller y el intérprete argentino de bandoneón y guitarra Eduardo Makaroff. El nombre del trío viene de un juego de palabras muy común en el español rioplatense llamado vesre,o mejor conocido como "El Lunfardo", que consiste en invertir el orden de las sílabas en una palabra. Así, la palabra "tango" se convierte en "gotan". Se conocieron en París, y creyeron que su interés por la música justificaba un trabajo más o menos constante. Sin muchas expectativas, en 2000 publicaron mil copias de su primer single, Vuelvo Al Sur/El Capitalismo Foráneo (en El Capitalismo Foráneo Gotan Project incluyen un sampleado de un discurso de Eva Perón de 1948 en el que denuncia el "capitalismo foráneo"). Su combinación de tango, jazz y electrónica explotó hasta alturas insospechadas, obligando al trío a profesionalizarse de manera urgente y organizar al poco tiempo una gira internacional. Su disco La revancha del tango (2001) se acerca al millón de copias de venta.

Juan Carlos Baglietto & Lito Vitale : En el año 2000 y gracias al disco "Postales del alma" el dúo es distinguido con el premio Grammy Latino al Mejor álbum de Tango.

Rock Progresivo y Sinfónico

2010-07-08T14:15:00.000-07:00

Audiciones sugeridas vistas en clases:

“Acid Rain” Liquid Tension, Experiment 2, 1999 (USA)
“Larks’ Tongues in Aspic part III” , King Crimson, “Three of a Perfect Pair” 1984 (UK)
“Me & Sara Jane” Genesis, “ABACAB”, 1981 (UK), versión en vivo
“La Poderosa Muerte” Los Jaivas, “Alturas de Macchu Picchu”, 1981 (Chile)
“Dancing with the Moonlight Knight” Genesis,”Selling England by The Pound” 1973 (UK)
“21st Century Schizoid Man (including Mirrors)” King Crimson,”In the Court of the Crimson King” 1969 (UK)

Otras Audiciones sugeridas:

2112 (parte 1), Rush, "2112", 1976 (Canadá)
Tales from Topographic Oceans (extracto, parte inicial), YES, "Tales from Topographic Oceans", 1974 (UK)
Tubular Bells, Mike Oldfield (parte 1), "Tubular Bells", 1973 (UK), versión en vivo.
The six wives of Henry VIII (extracto: Anne Boleyn) , Rick Wakeman, "The six wives of Henry VIII", 1973 (UK)
Thick as a Brick (parte 1), Jethro Tull, "Thick as a Brick", 1972, (UK)
From the Beginning, Emerson Lake & Palmer, "Trilogy", 1972 (UK)
Close to the Edge (extracto), YES, "Close to the Edge", 1972 (UK)
Echoes (Extracto), Pink Floyd, "Meddle", 1971 (UK)
Save Yourself, Soft Machine, "Soft Machine", 1968 (UK)
A Place of my Own, Caravan, "Caravan", 1968 (UK)

Algunas Definiciónes

Rock progresivo : El adjetivo progresivo alude tanto al carácter innovador que tuvo inicialmente el género (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) como a la importancia que concede a la progresión musical: uno de sus clichés más característicos es el paso gradual, progresivo, de una sonoridad bucólica (acústica, medievalizante, folk, modal, de tiempo lento) a otra urbana (eléctrica, tensa, acelerada, con influencia del blues y del jazz). Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de música clásica, y por la adición paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisación. Son características del género las canciones largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, y el virtuosismo de los instrumentistas.
http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_progresivo

El rock sinfónico: estilo musical surgido a partir de mediados de los sesenta que pretende explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta, la psicodelia y el hard rock. En el rock sinfónico se suele plantear la concepción de la obra musical como un todo coherente (el álbum o disco conceptual), en vez de como un conjunto de piezas sueltas. Los primeros discos conceptuales, como Sgt. Pepper's Lonely Hearts' Club Band, de los Beatles, o Days of a future passed, de Moody Blues, son ciclos de canciones relativamente breves, que desarrollan una historia. Dando un paso más, bandas de los 70 como Pink Floyd, Mike Oldfield, Rick Wakeman, King Crimson, Jethro Tull, Genesis, Emerson, Lake and Palmer o Yes se lanzan a la creación de obras épicas como Supper's Ready, Tubular Bells o Thick as a brick, suertes de sinfonías rock. El Rock Sinfónico toma su nombre de la sonoridad de las sinfonías clásicas. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el uso de orquestas, secciones de cuerda o sintetizadores. Los primeros experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby, de los Beatles.
http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_sinf%C3%B3nico

El rock progresivo sufre la ausencia de una definición clara. Se considera "progresivo" todo el rock que desde los años setenta (concretamente desde finales de los años sesenta) buscaba nuevas metas artísticas. Se relativiza el valor del rock, poniendo en cuestión no sólo las metas, sino también la calidad musical. Así nace un movimiento espontáneo a partir de 1968 (año revolucionario en el Mundo) en pequeñas, desordenadas y aisladas manifestaciones que luego fueron más masivas y con éxito popular. Al principio fue una fusión del rock con la música clásica, debido a la alta formación musical de estos compositores. Pero sus orígenes están en el rock psicodélico de los sesenta, con Pink Floyd como gran ejemplo.

Es en 1969 cuando este género se desarrolla al salir a la luz diversos álbumes de grupos pioneros como King Crimson, YES o Genesis. Hay confusión al querer subdividir el género en otros subgéneros. Lo cierto es que todos tienen en común la búsqueda de nuevas metas artísticas, por lo que el "rock progresivo" es una denominación genérica acertada. Pero aunque sólo fuera comienzos de 1970, habían marcadas subdivisiones dentro de la escuela del rock progresivo. Muchos de los grupos más respetados por los críticos se agruparon bajo la bandera del sonido Canterbury; encabezados por The Soft Machine, estos también incluían a Caravan, Hatfield & The North, y derivados de The Soft Machine como Matching Mole, Gong y los trabajos solistas de Robert Wyatt y Kevin Ayers. La música que estos grupos hacían era más ligera que la de los exponentes más exitosos del género, y también tenían muchas veces un sentido del humor que los grupos famosos no estaban dispuestos a mostrar.

Más conceptualemente hablando, dentro del género progresivo se subscriben varios estilos o tendencias. Se habla de "rock sinfónico" cuando la estructura musical o bien la instrumentación es polifónica u orquestal. El rock sinfónico se acerca a la concepción de la música clásica y todos los músicos de este estilo están influídos por los genios clásicos.
http://club.telepolis.com/gollumm/historia.htm

Historia de la Guitarra Eléctrica 3 (Paulo Paranhos)

2010-07-06T12:28:00.000-07:00

Años 70 hasta la actualidad

Guitarristas, seleccionados por estilo y guitarra que utilizan
Innovaciones técnicas.
Innovaciones tecnológicas.

Guitarristas

- Jimmy Page
o Pagina web: www.ledzeppelin.com / www.jimmypageonline.com
o Audio: Stair way to heaven, Led Zepellin iv, 1974.
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=ugxFcmZXDyc
o Guitarras
§ Gibson Les Paul Standart 1959
· Foto guitarra
· Foto guitarrista
· Jimmy Page signature double neck EDS 1275
· Foto Guitarra
· Foto Guitarrista

- Ritchie Blackmore
o Pagina web: http://www.ritchieblackmore.info / www.deeppurple.com
o Audio: High way star, machine head, 1972
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=ubMQtQIbELs
o Referente del Hard Rock con el grupo Deep Purple.
o Guitarra:
§ Fender Stratocaster 1954
· Foto guitarrista
· Foto guitarra

- Brian May
o Pagina web: www.brianmay.com / www.queenonline.com
o Audio: Bohemia in Rapsody, A Night at the opera, 1975
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=qLjttg3wgCw&feature=related
o Guitarra:
§ Red Special , fabricación casera.
· Foto guitarrista
· Foto Guitarra

- Angus Young
o Pagina web: www.acdc.com
o Audio: Back in Black,1981
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=_EatX83BLMg
o Guitarra:
§ Gibson SG de diferentes tipos (Standard, Special, '61 Reissue, Custom SG y Signature SG )
· Foto
· Foto guitarra

- Dave Murray (Iron Maiden)
o Pagina web: www.ironmaiden.com
o Audio: 666 The number of the beast, 1982
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=rrSiIqCpxB8
o Guitarra:
§ Fender Stratocastes Dave Murray Signature
· Foto guitarra
· Foto guitarrista

- John Mclaughlin
o Pagina web: www.johnmclaughlin.com
o Audio: The Wish, Remember Shakti, 1997
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=jB95clOd6v0&feature=related
o Guitarra:
§ Godin LGXT
· Foto
· Guitarra

- John Scofield
o Pagina web: www.johnscofield.com
o Audio: Chank, A Go Go,
o Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=rgyHqJ4U1UE
o Guitarra:
§ Ibanez John Scofield Signature
· Foto guitarra:
· Foto guitarrista:

- Mike Stern
o Pagina web: www.mikestern.org
o Audio: Star People, Miles Davis,
o Youtube
o Guitarra:
§ Yamaha Pacifica 1511 MS
· Foto Guitarrista:
· Foto guitarra:

- Wayne Krantz
o Pagina web: www.waynekrantz.com
o Audio: Whippersnapper, Two drink mínimum,
o Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=dG5IblVhW6A
o Guitarra:
§ Tyler Studio Elite
· Foto Guitarrista
· Foto guitarra

- Kurt Rosenwinkle
o Pagina web: www.kurtrosenwinkel.com
o Audio: Zhivago
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=BAkONsjZhTY
o Guitarra:
§ Moffa guitars, Arch-Lorraine (www.moffaguitars.it)
· Foto guitarrista
· Foto guitarra

Técnicas innovadoras

- Tapping
o Técnica instrumental de guitarra o bajo, consiste en sonar las notas del instrumento presionando los dedos de la mano derecha o izquierda sobre el mástil de la guitarra sin el uso de la uñeta.
o Foto http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f4/Tapping_guitar.jpg
o Guitarristas
§ Eddie Van Halen :
· Pagina web: www.van-halen.com
· Audio: Beat it, Michael Jackson,
· Youtube: www.youtube.com/watch?v=AlNWf7IBDOQ
· Guitarra: Signature Guitar – Kramer 5150
o Foto
o Foto guitarra
§ Allan Holdsworth:
· Pagina web: www.therealallanholdsworth.com
· Guitarra: Carvin Allan holdsworth signature
§ Stanley Jordan:
· Web site: www.stanleyjordan.com
· Audio: Jumpin’ Jack,
· Foto

- Sweep picking (Barrido)

o Frank Gambale:
§ Web site: www.frankgambale.com
§ Audio: High Five
§ Youtube: www.youtube.com/watch?v=IjyqMZKeaPM
§ Guitarra: Ibanez Frank Gambale signature FGM200

- Tecnicas combinadas

o Jason Becker:
§ Web site: www.jasonbeckerguitar.com
§ Audio: Perpetual Burn,
§ Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=5qCQLyb0-mI&feature=related
§ Guitarra: Paradise Jason Becket signature
· Otra Foto

o Steve Vai
§ Web Site: www.vai.com
§ Audio: Bad Horsie
§ You tube: http://www.youtube.com/watch?v=h5BrE1Pi5cU&feature=channel
§ Guitarra: Ibanez Jem 77GmC
· Otra Foto

La guitarra eléctrica como controlador midi

Historia de la guitarra midi Roland: www.hillmanweb.com/guitsyn.html

- Roland GR 500 (1978)

- Roland Gr 300 y Roland G 808 guitar synth (Pat Metheny) 1981
o Audio: Are you going with me, Offramp, 1981
o Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=avwXET5ippQ
o Foto 1
o Foto 2

- Roland G 707 synth controler guitar y Gr700 (1984)
oFoto 1
oFoto 2

- Capsula GK2 y Modulo Gr Años 90
o Foto 1
o Foto 2

- Synthaxe (Allan Holdsworth)
o Audio: Non brewed condiment, Atavachron, 1986
o Youtube: www.youtube.com/watch?v=gMznjS2lI0g
o Foto 1
oFoto 2

- Misa Digital Guitar
o Foto1
o Foto2

Historia de la Guitarra Eléctrica 2 (Gabriel Reyes)

2010-07-06T12:14:00.000-07:00

2.- LA GUITARRA ELECTRICA DESDE 1950 A 1970

Sin duda, la guitarra eléctrica se convierte durante esta época, en un instrumento sin el que es imposible entender la música moderna. La popularización de su uso la lleva a estar presente en prácticamente todas las manifestaciones de la música popular.

Uno de los grandes hitos que podemos destacar del desarrollo de la guitarra eléctrica en estos años es el nacimiento “formal” e industrializado de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido.

Si bien con anterioridad se habían hecho inventos e intentos por fabricar una guitarra de cuerpo sólido por Les Paul y por Rickenbaker, fue Leo Fender el primero en producir de forma masiva y vender con éxito una guitarra de cuerpo sólido. Se adelantaba así a Rickenbacker y a las ideas de Les Paul.

Su Fender Broadcaster, construida con toda sencillez en 1950 (luego denominada Telecaster en 1952 como el resultado de un conflicto en relación al registro de la marca, con la firma Gretsch), fue la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido considerada objeto de consumo.

La Broadcaster/Telecaster tuvo un éxito inmediato, animando a otros fabricantes de guitarras para seguir el liderazgo de Fender.

Fender fue quien hizo la guitarra eléctrica de cuerpo sólido lo bastante barata para el público. La gente le llamó “el Henry Ford de la Guitarra Eléctrica”.

LA GIBSON LES PAUL

En 1952 Gibson llegó a ser el primer y más grande competidor de Fender en el mercado del cuerpo sólido. La Gibson Les Paul fue creada en respuesta directa al éxito del modelo de Broadcaster/Telecaster de Fender. La historia de su diseño es causa constante de polémicas.

Les Paul era un conocido guitarrista que animaba a las tropas estadounidenses durante la II Guerra Mundial, luego convertido en estrella televisiva junto a la guapa Mary Ford, y ello llevó a Gibson a contratarle a principios de los 50. También es cierto que Les Paul fue consultado por los ingenieros de Gibson para cada cosa del diseño. Finalmente su guitarra salió a la luz con un acabado sólido. El más conocido es el dorado o Goldtop, que se pensó en parte para ocultar a los competidores que la guitarra tenía una tapa de arce en un cuerpo sólido de caoba.

Después que su introducción, la Gibson Les Paul atravesó una variedad de modificaciones que culminaron en 1958 en la estándar todavía hoy adorada, con su acabado sunburst y pastillas de doble bobinado nuevamente perfeccionadas.

La pastilla de humbucking transmite menos interferencias, ruidos de fondo y zumbidos, producidos por el equipo eléctrico, que puede ser un problema especialmente molesto durante las sesiones de grabación. Recorta también algunas altas frencuencias, dando un sonido más tibio y con menos ataque, lo que puede ser deseable o indeseable, dependiendo de la música y del artista. Sea lo que fuere, Seth Lover, el ingeniero de Gibson a quien se atribuye la invención de la pastilla humbucker (aunque el principio de cancelación de ruido mediante dos bobinas conectadas entre sí fuera de fase ya se aplicaba a los micrófonos, creó un sonido, y este sonido creó el rock duro y todas sus celebradas secuelas.

Pastillas Dobles (Humbucking)

Una única bobina de hilo de cobre alrededor de un imán es la base de una pastilla magnética. Este dispositivo recogerá el movimiento de una cuerda metálica vibrando sobre él y lo convertirá en una señal eléctrica pulsante. Pero existe un problema: también puede comportarse como una pequeña antena capaz de captar pequeñas ondas eléctricas presentes en el entorno industrial y doméstico.

Las guitarras Fender en general son un ejemplo claro que evidencian este problema.

Hasta 1956, este ruido o zumbido era algo que se tuvo que aceptar en las guitarras eléctricas.

Por aquellos tiempos, Seth Lover, que trabajaba para Gibson, inventó una pastilla "antizumbido" llamada pastilla 'humbucking' y que cancelaba cualquier interferencia externa.

Comparemos su funcionamiento con un ejemplo marino: las olas del mar siguen movimientos ondulatorios con puntos más elevados (cresta de la ola) y otros inferiores (valle de la ola). Si pudiéramos combinar estos puntos altos y bajos de una forma equitativa, el resultado sería una mar en calma total al haber combinado las olas "fuera de fase". Una pastilla humbucking combina las señales de interferencia (ruidos externos) en fuera de fase y de esta forma las anula.

Las pastillas humbucker tienen dos bobinas en vez de una. Están conectadas en serie, de manera que la corriente pasa primero por una y luego por la otra, pero fuera de fase una con otra. Esto significa que cualquier interferencia es transmitida por una bobina como una señal positiva y por la otra como una señal negativa. Las dos corrientes opuestas y de igual valor que fluyen en direcciones diferentes, se cancelan mutuamente, y el zumbido no pasa al amplificador.

Para garantizar que las dos bobinas no cancelan también las señales generadas por la vibración de las cuerdas, las piezas polares de cada una de las bobinas tienen polaridades magnéticas opuestas. El resultado es que cuando la bobina secundaria invierte la señal del campo magnético perturbado, duplica la señal eléctrica total en lugar de cancelarla. Cuando las dos señales son iguales, se dice que están en fase. Cuando son contrarias, se dice que están fuera de fase.

A partir de 1956, Gibson ha instalado este tipo de pastillas de doble bobinado en casi todas sus guitarras eléctricas. Además de cancelar las interferencias, la pastilla humbucker tiene un sonido claramente diferente del de la pastilla de bobina única. El diseño de doble bobinado proporciona menos definición general del sonido y disminuye la respuesta a altas frecuencias.

El que Gibson haga guitarras con pastillas de doble bobinado, mientras que las Fender siguen teniendo pastillas de bobina única, es una razón de la diferencia de sonido entre ambas marcas.

LA FENDER STRATOCASTER

Fender respondió al éxito de la Gibson Goldtop introduciendo la Stratocaster en 1954.

Este modelo puede ser la guitarra más influyente eléctrica jamás producida. Es identificada fácilmente por su diseño de doble cutaway y sus tres pastillas. Las guitarras construidas antes sólo tenían una o dos pastillas (con alguna excepción). Dado que las cuerdas vibran de forma diferente en puntos diferentes por su longitud, cada pastilla tiene su propio carácter, y pueden ser combinados en varias maneras, en o fuera de fase, para crear numerosos efectos.

La pala de la Stratocaster simulaba la cabeza de un violín vista de perfil, rememorando tendencias estilísticas que ya se habían visto en guitarras del siglo XIX, y salvo el modelo Bigsby/travis, habría que remontarse a diseños decimonónicos para encontrar una guitarra con las seis clavijas en línea. La stratocaster también llevaba el sistema de vibrato patentado por Leo Fender, una unidad de vibrato combinada astutamente con el puente.

En las manos de Buddy Holly y otros, la Fender Stratocaster llegó a ser un icono norteamericano, como la motocicleta Harley-Davidson. Esto hay que admitirlo, pues la mayoría de las innovaciones, por mínimas que fueran, que han afectado a la guitarra eléctrica han sucedido en los EEUU, lo que puede explicar, por lo menos en parte, por qué el Rock&Roll se inventó y prosperó allí.

La Stratocaster tenía ciertas ventajas respecto del modelo de la competencia, básicamente la Les Paul: era más barata, pesaba menos y, lo que es más importante, los amplificadores entregaban mucho mejor el sonido, de forma limpia y nítida.

Por aquel entonces el overdrive y la distorsión eran fenómenos absolutamente indeseados y cualquier Gibson Les Paul, con sus pastillas de doble bobinado, "enguarraba" mucho más el sonido del ampli que una stratocaster.

La efervescencia cultural que a finales de los 50 se estaba produciendo en el Reino Unido, con una juventud ansiosa de superar los rigores de la postguerra, pronto fue un caldo de cultivo para la reinterpretación del rock&Roll a cargo de los británicos, y la Stratocaster adquirió un impulso fundamental gracias a grupos como The Shadows, con su guitarra solista Hank Marvin haciendo los honores a una Strato.

La Strato tuvo posteriormente un nuevo impulso con la llegada de Hendrix a Gran Bretaña, y tres de los más grandes guitarristas de todos los tiempos (Richie Blackmore, Eric Clapton y Jeff Beck) se rindieron al sonido cristalino y percusivo y al ataque brutal de la strato, ahora en manos de un genio de color, venido del otro lado del océano. Blackmore, Clapton y Beck, jamás abandonarán la strato en el resto de su carrera.

La producción de la Strato ha sido objeto de excelentes y cuidadosos estudios, catalogándose según las épocas de construcción. Los modelos más antiguos alcanzan precios astronómicos en el mercado vintage. Hasta el año 1959-60 los diapasones eran de arce. En esos años se incorporó exclusivamente el diapasón de palorrosa. Cabe resaltar la llamada serie "L" (1961-1965), periodo en el que se construyeron excelentes fenders que se caracterizaban, entre otras cosas, porque su número de serie comenzaba por una "L", quizá por un error en la interpretación de lo que debía ser un "1".

En el año 1965 la gigante CBS adquirió por 13 millones de dólares la empresa a Leo Fender, que continuó como asesor unos años, hasta que, cansado de la progresiva pérdida de calidad de los instrumentos abandonó definitivamente la casa que él mismo había fundado. Posteriormente, transcurrido el pacto de exclusiva, creó sucesivas empresas (Musicman, G&L), hasta que falleció "con las botas puestas" a principios de los años 90.

LAS OTRAS MARCAS EN LOS 50 Y 60

Fender y Gibson no eran las únicas compañías que hacían guitarras eléctricas de cuerpo sólido, pero eran las pioneras. Entre sus principales competidores se pueden incluir a Rickenbacker y Gretsch, aunque el último sea mejor conocido por sus guitarras de caja, que empezaron a ser apreciadas por sus cualidades tonales después de que los ingenieros aprendieron a controlar los problemas de feedback.

En 1964 Rickenbacker introdujo su modelo 360-12, la primera guitarra eléctrica comercialmente significativa de 12 cuerdas, que fue popularizada por George Harrison en la película de The Beatles“Qué noche la de aquel día” (1964). Cuando Jim (luego Roger) McGuinn vio la película, fue directamente a la tienda y se compró un Rickenbacker de 12 cuerdas, que pronto daría al grupo de McGuinn, The Byrds, su reconocible sonido cantarín que a muchos nos encandila.

Además de estos dos gigantes, existen otras marcas que en aquellos primeros años intentaron emular a los pioneros citados, sin conseguirlo. Estamos hablando de firmas como Mosrite, Guild, Vox, Epiphone o incluso Martin

LOS NUEVOS DISEÑOS

Como el carácter sonoro de un cuerpo sólido eléctrico no depende de su forma, los fabricantes podrían experimentar con una gran variedad de diseños imaginativos. La Stratocaster era un diseño modernista acorde con la era espacial que entonces comenzaba sobre el que el gobierno yankee y el país entero se volcaba, aunque hoy es un obsleto diseño de hace 70 años. La Gibson Flying-V era el primer diseño audaz de la firma. Se introdujo en 1958 como parte de una línea modernista de guitarras, junto con la Explorer, angular y asimétrica. Estos diseños resultaron demasiado atrevidos para el mercado y pronto se dejaron de fabricar. A finales de la década del sesenta, sin embargo, los prestigiosos músicos Albert King y Jimi Hendrix (al que la revista Rolling Stones denominó al guitarrista más grande de todos los tiempos) ayudaron a revivir la popularidad de la Flying-V, alentando a los fabricantes de guitarra a desarrollar otras formas más aventureras y atrevidas.

EL PAPEL DE LA GUITARRA EN LOS GÉNEROS MUSICALES

Mientras la guitarra eléctrica servía para inventar el Rock&Roll, o por lo menos ser un factor importante para el nacimiento de éste, ¿qué ocurría en el género de música donde que había empezado todo? En el jazz la guitarra había perdido su papel como un instrumento de ritmo con el ocaso de las big bands en los años cincuenta. Como un instrumento “solo”, la guitarra eléctrica lucha todavía por liberarse de sus asociaciones con la fusión y con el smooth jazz. Esos géneros tienen a sus seguidores, por supuesto. Y con virtuosos como George Benson y Pat Metheny, la guitarra de jazz está todavía viva y haciendo tnto por el Jazz como los demás instrumentos. Mas si no hubiera existido la guitarra eléctrica, el jazz sonaría hoy practicamente igual, mientras que el Rock&Roll, simplemente no existiría, como tampoco existirían todas las secuelas del Rock&Roll.

En cuanto al blues, la guitarra eléctrica revitalizó el género, pues su flexibilidad dio a músicos nuevas maneras de expresar la emoción bluesera, el feeling. A principios de la década de los 40, un estilo nuevo y suburbano del blues, nacido en Chicago, fue construido enteramente a partir del sonido amplificado. Bluesmen como Muddy Watters y el gran T-Bone Walker (que ha sido llamado el Padre del Blues Eléctrico) tomó también la guitarra amplificada y, junto con Charlie Christian, inspiró a una generación nueva de artistas, liderada por el conocidísimo B. B. King.

Durante los 50, la música basada en el blues que se había desviado demasiado lejos de sus raíces, llegó a ser conocida como “Rithm&Blues”, un término que era tan indefinido como lo es hoy. Finalmente, por supuesto, en las palabras de Muddy Watters, “El blues dio la luz a un bebé, y le denominaron el “Rock&Roll”. Los primeros rockeros seguidores de la noción entendieron que el bebé debía parecerse a su padre, así que idolatraron y a menudo imitaron a los grandes bluesmen.

La demostración más poderosa del papel eléctrico de guitarra como un símbolo sociopolítico vino en el 1965 Newport Folk Festival, cuando Bob Dylan, un innovador incansable en el lenguaje Folk y Blues y un “cantante protesta” de valores sólidamente basados en la libertad, conectó una guitarra eléctrica entre las protestas de la audiencia. Era toda una traición, que el joven genio que podría haber dirigido una generación nueva de fans a lo más alto de la música folklórica norteamericana, estuviera prostituyéndose para dar gusto a los adolescentes amantes de Rock&Roll. Más que eso, sin embargo, el acto de Dylan de enchufarse simbolizó la fusión de la izquierda política con la contracultura.

LA DISTORSION, DE UN PROBLEMA A UN APORTE

Quizá una de los hechos más llamativos es que un efecto secundario e indeseado de la amplificación a válvulas cuando se toca a volúmenes altos, como fue la saturación (overdrive o distorsión), paso de ser un problema a evitar, a convertirse en un sonido característico creador de un sinnúmero de generos musicales, a partir de lo que se conoce genéricamente como rock. Ese efecto se generaba con más potencia cuando se usaban guitarras dotadas con pastillas de doble bobinado o humbuckers. De ahí que la Gibson Les Paul, un modelo que se había dejado de fabricar a principios de los 60 por el empuje de las guitarras Fender (caraterísticas por el uso de pastillas single, más limpias y menos empastadas), volvió a ser un instrumento deseado y buscado. Guitarristas como Eric Clapton tuvieron gran responsabilidad en ello. La endogamia existente entre los músicos de la época, sobre todo en Gran Bretaña, llevó a que la adopción de las guitarras con dichas pastillas para hacer música creara una tendencia más rockera, con grupos como Cream, The Beatles y casi inmediatamente The Rolling Stones abandonaran el pop sesentero para preparar el camino a grupos como Led Zeppelin y fundar los cimientos de géneros y tendencias como el rock duro, el Glam, etc.

EL FENOMENO DE JIMI HENDRIX

Se dice que la guitarra eléctrica alcanza su mayoría de edad a finales de los 60 quizá con la figura de Hendrix y se consolida luego en los 70. La guitarra eléctrica es antes y después de Hendrix. De esto no hay duda ni discusión. Hendrix es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia del rock. Hendrix era musicalmente empírico, esto significa que no tenía estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando riffs hipnóticos llenos de poder y fuerza; "la guitarra parecía parte de su cuerpo" dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas. además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.Jimi Hendrix es normalmente asociado a la Fender Stratocaster y es cierto que esta ha sido durante sus años famosos su instrumento favorito. Se sabe que ha utilizado al menos 8 de estas (2 fueron robadas).

Si bien era zurdo prefería utilizar instrumentos de diestro por considerarlos de mayor calidad. A los mismos los encordaba al revés para utilizarlo como zurdo.

Hendrix es uno de los guitarristas que comienza a experimentar la combinación de micrófonos o cápsulas (las primeras stratos traían selector de 3 posiciones permitiendo elegir uno u otro micrófono pero no combinaciones de a dos) dejando el selector a mitad de camino.

A menudo al tocar piezas mas cercanas al blues, Jimi prefería instrumentos Gibson. Utilizó Gibson Flying V, Gibson SG y Gibson Les Paul.

Sus efectos incluyeron Wah Wah Vox, Dallas Arbiter Fuzz Face, Octavia (efecto creado por Roger Mayer especialmente para él), y Uni-Vibe de Uni-vox. En el estudio ha utilizado también Leslie.

Otra creación de Hendrix fue la de utilizar el feedback (acople) como un recurso expresivo.

Hendrix siempre buscaba sonidos nuevos, el decía Ese Sonido fue genial en ese tema, pero ¿que haré para mañana? no hay motivos para volver a utilizarlo.

Historia de la Guitarra Eléctrica 1 (Emilio García)

2010-07-02T19:03:00.000-07:00

1.-Orígenes:

El deseo de aumentar el sonido de la guitarra existen desde mucho antes del desarrollo de los amplificadores y altavoces eléctricos. Actuaciones musicales en el siglo 19 se caracterizaron por la configuración cada vez más grande de conciertos y conjuntos. Los músicos tenían más fuertes y más poderosos instrumentos, que se hizo posible mediante el uso de nuevos materiales y diseños.
La introducción de cuerdas de acero en la guitarra, en el siglo 19 significaba no sólo un mayor volumen , también una mayor tensión sobre los instrumentos. La guitarra “portaaviones” tradicional empezó a cambiar de tamaño y forma hacia un instrumento de cuerdas de acero que llenara los requerimientos de grabación y radio de la época. Además, un diseño totalmente diferente surgió, más fuerte: el “archtop”.

En la década de 1920, la música bailable de las Big Bands, comienza a hacer cada vez más popular, y los guitarristas, en especial los de jazz, necesitaban más y más volumen. Los fabricantes de guitarras hacen tremendos esfuerzos por construir guitarras más fuertes, con cuerdas de acero, y diferentes modelos y tamaños, mientras que otros fabricantes comienzan a centrarse en la electricidad como posible ayuda.

En 1925, Adolph Rickenbacker comienza a experimentar con amplificadores y micrófonos. Él pone una cuerda sobre un tabla que tenia un micrófono de un fonógrafo (El fonógrafo fue el dispositivo más común para reproducir sonidos grabados desde la década de 1870 hasta la década de 1880).

Este experimento lo puso a pensar y se dio cuenta que estaba en el camino correcto. El gran problema era la transducción de la vibración de la cuerda a corriente. Después de muchos meses de errores y pruebas, George Beauchamp desarrolla el micrófono o pickup para guitarra, que consiste en un campo electromagnético en el que la corriente pasa a través de una bobina de alambre envuelto alrededor de un imán, creando un campo que amplifica las vibraciones.

La primera guitarra electrica conocida como “sartén”, por el modelo, fue presentada en 1934 y publicada en 1937.

Paralelamente se desarrolla la amplificación del sonido y específicamente desde el principio fueron usados para amplificar la guitarra acústica , amplificación electrónica de la guitarra fue el ampliamente popularizado por los años 1930 y 1940 dada por la locura por la música hawaiana de esos años en Estados Unidos.

La primera guitarra eléctrica de cuerpo solido y producida comercialmente fue la Slingerland de 1939. Los Pioneros de la guitarrísta eléctrica de los años 1930 y 1940, como Eddie Durham y Oscar Moore, y especialmente Charlie Christian: músicos de jazz, y T-bone Walker y Muddy Waters, músicos de blues, fueron los que experimentaron con las posibilidades armónicas y tonales del instrumento. Luego el público comenzaría a prestar atención al nuevo sonido eléctrico.

Les Paul, presenta en 1952 su guitarra. “Quería demostrar que conseguir una tapa sólida, sin vibraciones, era el camino a seguir”, explicó en su día el propio artista sobre la creación en 1941 del precursor del que sería su invento más venerado, una guitarra con la que logró “amplificar la pureza de las cuerdas sin la resonancia de la madera mezclándose en el sonido”, a la que llamó “el tronco” (“the log”).

Las guitarras favoritas

Paul, con una carrera que empezó en la década de 1930 y que le reportó reconocimientos hasta sus últimos días, pasará a la historia como el artífice de la electrificación de la guitarra, gracias al famoso modelo Les Paul, que se convirtió en el predilecto de artistas tan aclamados Keith Richards (de los Rolling Stones), Jimmy Page (de Led Zeppelin), y Slash (de Guns N’ Roses).
Paul, que durante la Segunda Guerra Mundial creó un trío con el que sedujo a talentos como los de Bing Crosby o Louis Armstrong, y con el que consiguió su primer número uno en ventas en Estados Unidos con el tema “It’s been a long, long time”, siguió con sus experimentos y se centró en las técnicas de grabación.

El aclamado inventor, ganador de tres premios Grammy de la música, destacó así con sus avances en ingeniería de sonido, un campo que revolucionó en 1947 con “Lover (When You’re Near Me)”. En ese tema innovó mezclando ocho fragmentos diferentes de guitarra eléctrica y los hizo sonar a la vez y sentó así las bases para lo que más tarde se conocería como la grabación en pistas diferenciadas.

Paul había trabajado en modificar la velocidad de la cinta para ese tema, así como en fabricar ecos y otros trucos -como pegar instrumentos al micrófono- que muchos vieron como determinantes para el éxito del’rock and roll.

Leo Fender, reparador de radios, diseñó la primera guitarra eléctrica sólida desmontable y con pocas piezas, con éxito comercial, producida en masa, para que los músicos no tuvieran problemas al tener que cambiar piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la Fender Telecaster. Fue presentada en 1950. Hecha con maderas baratas y de fácil disposición, como el fresno y el arce, en lugar de caoba y palorrosa (caras).

La Stratocaster fue presentada en 1954. Considerada la guitarra Nº 1 del mundo, junto a la Les Paul, la Nº2. Ambas obras de ingeniería mayor por su simpleza, versatilidad, perfección. Estas 2 guitarras son las que sentaron las bases de la guitarra eléctrica hasta la actualidad.

Funk - Disco

2010-06-30T15:23:00.000-07:00

Audiciones Funk:

“Unfunky UFO” , Parliament, Mothership Connection, 1975 (USA)
“Dance to the Music”, Sly & the Family Stone, “Dance to the The Music” 1968 (USA)
“Just Kissed my Baby” , the Meters, “Rejuvenation”, 1974 (USA)
“Fancy Dancer”, the Commodors, “Hot on the tracks”, 1976 (USA)
“Jungle Boogie” , Kool and the Gang,”Wild and Peaceful” 1973 (USA)

Audiciones Disco:

“Voulez vous”, ABBA,”Voulez Vous”, Suecia 1979
“Stayin’ Alive”, Bee Gees, Saturday Night fever Soundtrack, Asutralia 1977
“Never can say goodbye”, Gloria Gaynor, “Never can say goodbye”, USA 1975

Algunas Definiciones :

Funk: en un sentido estricto, el funk es una música negra de baile, polirrítmica, percusiva, con la conducción en las líneas de bajo, con un mínimo desarrollo melódico y máximo uso de síncopas. Su linaje se puede extender desde los primeros trabajos monocordes de James Brown.
Con una simplificación de estos ritmos, el funk proveyó las bases de la onda disco, y se transformó en un referente para el hip hop, y para practicamente todos los estilos bailables afroamericanos posteriores.

The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll, Rolling Stone Press, New York, 1995

Funk: Género musical, muy popular durante los 70, que apareció en los primeros años 60 en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos. Nacido como una evolución de algunos elementos del Soul y el Jazz anteriores aderezados por influencias latinas como la rumba, el funk se consolidó como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de ahí en adelante.

Un instrumento fundamental para este estilo de música es el Bajo, requiriendo una gran proficencia técnica y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el slap, técnica popularizada por el bajista de Sly & The Family Stone, Larry Graham, que consiste en alternar golpes del pulgar sobre las cuerdas con estiramientos de éstas.
La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes simples alternadas con rasgueos secos, generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando profusamente efectos como el flanger, el Wah Wah y filtros con control de envolvente para acentuar el componente rítmico. Generalmente suelen utilizarse subdivisiones rítmicas en semicorcheas.
La batería tiene una métrica y síncopas característicos, y es una de las partes más evidentes que se han heredado del funk casi sin cambios desde sus inicios, a través de las diferentes formas de música hip hop, breakbeat y más tarde de música electrónica de baile, pero con composiciones más repetitivas y marcada.

http://es.wikipedia.org/wiki/Funk

Disco: Fue el estilo de música bailable más popular de los setentas, y en cada uno de sus aspectos, desde las formas en que fue consumido y producido, hasta su énfasis en una cultura comunitaria de club, sentó las bases para un buen número de desarrollos posteriores, entre los que se incluyen el hip hop, el house, el acid jazz y el techno. Como el punk, la onda disco fue una reacción al extendido estilo de rock no bailable de principio de los setentas. Se empieza a desarrollar en los club gay masculinos de NY.

The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll, Rolling Stone Press, New York, 1995

Disco: Las canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivo Compás de 4/4, con un hi hat acentuando los tiempos débiles, una línea predominante de bajo sincopado con figuras predominantes d eoctavas, y con voces fuertemente reverberadas. Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 bpms por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino como merengue, rumba o samba. El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda y metales, que desarrollaban frases en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con claqras influencias del funk). La guitarra solista es inusual. El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida, que permitía un mayor desarrollo melódico.

http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_disco

Contexto Histórico : los setentas

El conflicto árabe-israelí y la etapa final de la guerra de Vietnam dominan la mayor parte de la vida política de esta época.
El mercado del petróleo se ve sacudido por las disposiciones de la Organización de Países Exportadores de Petróleo (OPEP) que arrastra a los países industrializados a una crisis en el sector energético y por ende a toda la industria y la sociedad. Se da un bloqueo en el suministro del petróleo y ahora son las naciones productoras las que fijan los precios del combustible. Posteriormente se produciría una nueva Crísis a finales de los 70 y principios de los ochenta, con un nuevo encarecimiento de los precios del crudo, con motivo de la guerra entre Irán e Irak, conflicto en que EEUUU apoyó a Irak con créditos para hacer frente al gobierno chiita del Allatolah Jomeini.
La Casa Blanca es escenario del escándalo Watergate que llevó a que el presidente Richard Nixon fuera el único presidente estadounidense en renunciar a su cargo en este siglo. Al mismo tiempo, el intervencionismo del gobierno de este país instaura dictaduras militares afectas a Washington en varios países de América Latina.
El bloque comunista que la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas logró conformar durante varias décadas, empieza a dar señales de desintegración y la potencia soviética se distancia de la China comunista, lo que trae consigo el debilitamiento de la influencia comunista en el mundo.
En Europa los países occidentales de este continente logran igualar el nivel de vida de Estados Unidos de América y los países escandinavos consiguen el más alto equilibrio económico social del mundo.

EL PRODUCTOR MUSICAL en la música pop (Daniel Lizana)

2010-06-30T13:44:00.000-07:00

Una grabación sin conceptos artísticos claros no es más que un ejercicio técnico sin sentido. Toda producción requiere orden, preparación y dominio de la tecnología para poder llevar las ideas desde la imaginación hasta un material sonoro.
La figura del productor musical aparece como aquel músico que ayuda a otros músicos a concretar sus grabaciones. En un comienzo corresponde al compositor y arreglista que acompaña su trabajo desde la partitura hasta el registro magnético y sonido final, pero con los años se transformará en el artista capaz de dirigir un proyecto de grabación multipista, visualizando y creando sonoridades.

Por tanto, el productor musical es el encargado de traducir las ideas, conceptualizarlas y materializarlas.

Un buen productor, además de tener dominio técnico del equipamiento del estudio de grabación, programación de sintetizadores y herramientas de post producción, debe tener una cultura musical importante y actualizada, conocer de estilos y timbrística, ser creativo y proactivo para descubrir el potencial en la música de bandas y cantantes, y así poder desarrollarlo.

En la historia de la música pop han aparecido muchos productores que crearon escuela en la manera de hacer discos. Los principales son:

Burt Bacharach
Songwriter, pianista, arreglista,
director orquestal, productor musical
Actividad:
1952 – 1985
90's - a la fecha, algunas apariciones en cine, discos esporádicos y music hall.
Datos:
Más de 100 canciones grabadas a principios de los 60's.
Trabajó en el mítico Brill Building. Edificio que albergó las oficinas de producción musical de grandes duplas de compositores: Lieber & Stoller, Goffin & King, Mann & Weil, Bacharach & David, Pomus & Shuman, Sedaka & Greenfield.
50 sencillos rankeados entre 1960 y 1970.
Aporte:
Pulió la forma de la canción pop.
Definió el formato de la orquesta pop (no big band).
Produjo sólo sus composiciones.
La sonoridad estaba resuelta desde la partitura.
Icono del estilo “easy listening”, también llamado “soft pop” o “música ligera”.
Artistas con los que ha trabajado:
Nat King Cole, Johnny Mathis, Jerry Lewis, Della Reese, Tony Bennett, Perry Como, Four Aces, Marlene Dietrich, Frankie Avalon, Etta James, Andy Williams, The Isley Brothers, Del Shannon, Connie Stevens, Dick Van Dyke, Cliff Richard, Gene Pitney, Paul Anka, Doris Day, Pat Boone, Tom Jones, Herb Alpert & The Tijuana Brass, Dusty Springfield, Engelbert Humperdinck, B.J. Thomas, The Carpenters, Barbra Streisand, Gladys Knight, Pointer Sisters, Christopher Cross, Aretha Franklin, Neil Diamond, Roberta Flack, Rod Stewart, Peabo Bryson, Patti LaBelle, Michael McDonald, Stevie Wonder, Elton John, Kenny Rogers, Natalie Cole, Siedah Garrett, Ray Parker Jr., Desmond Child, Earth, Wind & Fire, James Ingram, Nana Mouskouri, Elvis Costello, Carly Simon, Steve Tyrell, Dionne Warwick, etc.

Audición:

============================

Phil Spector
Arreglista, director orquestal, productor musical.
Actividad:
1959 - 1986 (1991, 2003)
Datos:
A los 19 años arreglaba, producía y grababa discos exitosos.
38 sencillos rankeados entre 1959 y 1969.
Aporte:
Inventor del “Muro de Sonido”, técnica de grabación que utiliza distintas capas de instrumentos y reverberación para lograr un sonido “contundente”. Las texturas eran logradas por la posición de los instrumentos en el estudio de grabación.
Crea los estándares técnicos y estéticos de la producción musical.
Influencia para los músicos de todo el mundo. Ejm: La “Nueva Ola” Chilena.
LP’s producidos (sin contar singles):
1959: The Teddy Bears Sing – The Teddy Bears
1963: A Christmas Gift for You from Phil Spector – Various Artists
1963: Twist Uptown – The Crystals
1963: He's A Rebel – The Crystals
1964: Presenting the Fabulous Ronettes Featuring Veronica – The Ronettes
1965: Ronettes – The Ronettes
1966: River Deep - Mountain High – Ike and Tina Turner
1970: Let It Be – The Beatles
1970: All Things Must Pass (co-producer) – George Harrison
1970: Plastic Ono Band (co-producer) – John Lennon and The Plastic Ono Band
1970: Plastic Ono Band (co-producer) – Yoko Ono and The Plastic Ono Band
1971: Imagine (co-producer) – John Lennon and The Plastic Ono Band with the Flux Fiddlers
1971: The Concert for Bangla Desh (co-producer) – George Harrison and Friends
1972: Some Time in New York City (co-producer) – John Lennon and Yoko Ono
1975: Rock N' Roll (co-producer) – John Lennon
1975: Born To Be With You – Dion
1977: Death of a Ladies' Man – Leonard Cohen
1980: End of the Century – Ramones
1981: Season of Glass (co-producer) – Yoko Ono
1986: Menlove Ave. (co-producer) – John Lennon
1991: Back to Mono (1958-1969) (Box set compilation) – Various Artists
2003: Silence Is Easy (co-producer) – Starsailor

Audición:

============================

Smokey Robinson
Songwriter, cantante, pianista, productor musical, productor ejecutivo
Actividad:
1959 - a la fecha
Datos:
4000 canciones en 50 años de carrera.
Junto a Berry Gordy funda el sello Tamla-Motown.
Aporte:
Creador del sonido Motown.
Descubridor y productor de muchísimos artistas.
Puso la música negra en los medios de comunicación.
Algunos singles como autor y productor:
1960: Shop Around - The Miracles
1964: My Guy - Mary Wells
1964: The Way You Do the Things You Do - The Temptations
1964: My Girl - The Temptations
1964 - When I'm Gone - Brenda Holloway
1965 - Ain't That Peculiar - Marvin Gaye
1965 - I'll Be Doggone - Marvin Gaye
1965: Since I Lost My Baby - The Temptations
1965 - First I Look at the Purse - The Contours
1965 - Don't Mess With Bill - The Marvelettes
1966: Get Ready - The Temptations
1967 - My Baby Must Be a Magician - The Marvelettes
1970: Still Water (Love) - The Four Tops

Audición:

============================

George Martin
Pianista, arreglista, director orquestal, productor musical, el 5to Beatle.
Actividad:
1960 - 1984 (1997, 2003)
Datos:
Produjo casi la totalidad de los discos de The Beatles.
Aporte:
Creó las pautas creativas para la producción de la música pop actual.
Pionero de la grabación multipista y de las mezclas stereo.
Incorporó la orquesta al rock y utilizó instrumentos y sonidos no tradicionales.
Aportó nuevas técnicas de grabación.
Algunos artistas producidos:
The Beatles
Flanders and Swann
Joan Sims
Gerry & The Pacemakers
Ringo Starr
Mahavishnu Orchestra
America
Jeff Beck
Cheap Trick
Ultravox
Paul McCartney
Celine Dion.

Audición:

============================
Brian Wilson
Compositor, bajista, pianista, productor musical, arreglista, líder de The Beach Boys

Actividad:
1961 - a la fecha
Datos:
El LP “Pet Sounds” es referente para muchas bandas de rock en el mundo y ha sido elegido en varias ocasiones como uno de las mejores producciones de la historia.
Aporte:
Perfeccionó el “Muro de sonido”.
Pionero de la grabación multipista y del uso del estudio de grabación como herramienta creativa.
Incorporó nuevos instrumentos y texturas al pop.

Audición:

============================
Jeff Lynne
Compositor, guitarrista, cantante, productor musical
Actividad:
1966 - a la fecha
Datos:
Heredero del estilo de producción de George Martin
Junto a The Electric Light Orchestra lideró los rankings desde mediados de los 70’s

Aporte:
Llevó la grabación multipista y mezcla analógica a su nivel más depurado.
Utilización de procesadores de efectos y sonoridad orquestal. (A partir de su trabajo la empresa Barcus-Berry crea las cápsulas para violines y cellos).
Renovó el sonido del pop con tambores y guitarras ultra comprimidas, así como también con las técnicas de doblaje de voces e instrumentos que utilizamos hasta el día de hoy.

Algunos artistas producidos:
The Electric Light Orchestra
The Beatles (Anthology)
Travelling Wilburys
Tom Petty
Roy Orbison
George Harrison
Bob Dylan
Ringo Starr
Paul McCartney
Brian Wilson
Olivia Newton-John
Joe Cocker
Aerosmith
Tom Jones
Regina Spektor

Audición:

============================
Nile Rodgers
Compositor, productor musical, guitarrista

Actividad:
1970 - a la fecha
Datos:
En sus comienzos fue guitarrista de la banda del teatro Apollo.
Aporte:
Con su banda Chic creó varias técnicas de rasgueo para la guitarra disco/funk.
Pionero del estilo que hoy llamamos Acid Jazz.
Como productor dio nueva vida al pop sintético de los 80's
LP’s producidos:
1977 - 1983: Chic
1978: Norma Jean - Norma Jean Wright
1979: We Are Family - Sister Sledge
1980: King of the World - Sheila B. Devotion
1980: Love Somebody Today - Sister Sledge
1980: diana, Diana Ross
1981: I Love My Lady - Johnny Mathis
1981: Koo Koo - Debbie Harry
1982: Fonzi Thornton
1983: Let's Dance - David Bowie
1983: Situation X - Michael Gregory
1983: Invitation To Dance - Kim Carnes
1983: Trash It Up - Southside Johnny & The Asbury Jukes
1984: Original Sin – INXS
1984: Like a Virgin – Madonna
1984:The Reflex, The Wild Boys - Duran Duran
1985: Flash - Jeff Beck
1985: She's The Boss - Mick Jagger
1985: Here's to Future Days - Thompson Twins
1985: Do You - Sheena Easton
1985: When The Boys Meet The Girls - Sister Sledge
1986: Home of the Brave - Laurie Anderson
1986: Notorious - Duran Duran
1986: Inside Story - Grace Jones
1986: Inside Out - Philip Bailey
1986: L Is For Lover - Al Jarreau
1987: Moonlighting Theme - Al Jarreau
1987: Route 66 [Nile Rodgers Mix] - Depeche Mode
1989: Cosmic Thing - The B-52's
1989: Slam - Dan Reed Network
1989: Decade: Greatest Hits - Duran Duran
1989: So Happy - Eddie Murphy
1989: Workin' Overtime - Diana Ross
1990: Family Style - Vaughan Brothers
1990: Move To This - Cathy Dennis
1990: 1990 - Olé Olé
1991: The Heat - Dan Reed Network
1991: Fireball Zone - Ric Ocasek
1992: Real Cool World - David Bowie
1992: Good Stuff - The B-52's
1993: Black Tie White Noise - David Bowie
1994: Your Filthy Little Mouth - David Lee Roth
1997: Azabache - Marta Sánchez
1997: Us - Taja Sevelle
1997: Samantha Cole - Samantha Cole
1998: On And On - All-4-One
1998: Everything is Cool - SMAP (Japan)
1998: Su Theme Song - SMAP (Japan)
2000: Great Long While – Strangefolk
2001: Just Me - Tina Arena
2001: Dellali - Cheb Mami
2001: We Are Family - Nile Rodgers All Stars (We Are Family Foundation)
2002: Only A Woman Like You - Michael Bolton
2004: Shady Satin Drug - Soul Decision
2004: Astronaut - Duran Duran
2007: Evolution - MorissonPoe

Audición:

============================
Brian Eno
Compositor, tecladista, productor musical
Actividad:
1974 - a la fecha
Datos:
Luego de sus inicios en los 70’s con Roxy Music, inicia su carrera como solista y productor musical.
Junto al guitarrista canadiense Daniel Lanois conforman una de las duplas más exitosas de la historia en la producción de bandas de rock/ pop (ejm: U2).
Aporte:
Creador de la música “ambient”.
Añadió nuevas texturas al pop.
Hizo de la programación de sintetizadores y multiefectos un elemento orgánico.
LP’s Producidos:
1974: Fear - John Cale
1975: New & Rediscovered Musical Instruments - David Toop & Max Eastley
1976: Music from the Penguin Cafe - The Penguin Cafe Orchestra
1976: Voices and Instruments - Jan Steele/John Cage
1977: Ultravox! - Ultravox
1978: More Songs About Buildings and Food - Talking Heads
1978: No New York - various artists
1978: The Pavilion of Dreams - Harold Budd
1978: Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! - Devo
1979: Fear of Music - Talking Heads
1980: Ambient 3: Day of Radiance - Laraaji
1980: Remain in Light - Talking Heads
1981: The Pace Setters - Edikanfo
1984: Dune - Toto/Brian Eno
1984: The Unforgettable Fire - U2
1985: Hybrid - Michael Brook
1985: Wide Awake in America - U2
1986: Power Spot - Jon Hassell
1987: The Joshua Tree - U2
1988: Flash of the Spirit - Jon Hassell
1989: Words for the Dying - John Cale
1989: Zvuki Mu - Zvuki Mu
1991: Achtung Baby - U2
1991: Exile - Geoffrey Oryema
1993: Laid - James
1993: Temple - Jane Siberry
1993: When I Was a Boy - Jane Siberry
1993: Zooropa - U2
1994: Bright Red - Laurie Anderson
1994: Wah Wah - James
1995: Original Soundtracks 1 - Passengers
1995: Outside - David Bowie
1998: Nomad Soul - Baaba Maal
1999: Millionaires - James
2000: All That You Can't Leave Behind - U2
2000: Faith and Courage - Sinéad O'Connor
2000: Now, Always, Never - Sikter
2001: Pleased to Meet You - James
2008: Everything That Happens Will Happen Today - David Byrne
2008: Viva la Vida or Death and All His Friends - Coldplay
2008: Safe Trip Home - Dido
2008: Hurricane - Grace Jones
2009: No Line on the Horizon - U2
2009: Come to Life - Natalie Imbruglia

Audición:

============================
Quincy Jones
Trompetista, director de orquesta, arreglista, productor musical, compositor para cine y televisión.
Actividad:
1978 - a la fecha en el pop
(desde 1955 en el jazz y el swing)
Datos:
79 nominaciones al Grammy, 27 Grammy ganados incluyendo el Legend Award en 1991. Su producción Thriller, para Michael Jackson, ha vendido más de 110 millones de copias en todo el mundo.
Importante activista social afro-americano.
Aporte:
Referente indiscutido para la producción musical pop, funk, soul, big band, swing, jazz, bossa nova y hip-hop.
Redefinió la timbrística del pop negro.

Discografía como compositor, conductor, arreglista o productor de otros artistas:
1955: Betty Carter - Social Call
1955: Cannonball Adderley - Julian "Cannonball" Adderley
1956: Dinah Washington - The Swingin' Miss "D"
1958: Art Farmer - Last Night When We Were Young
1958: Sarah Vaughan - Vaughan and Voices
1959: Sarah Vaughan - Vaughan and Violins
1960: Andy Williams - Under Paris Skies
1961: Ray Charles – Genius + Soul = Jazz
1961: Peggy Lee - If You Go
1961: Billy Eckstine - At Basin Street East
1961: Dinah Washington - I Wanna Be Loved
1962: Peggy Lee - Blues Cross Country
1962: Sarah Vaughan - You're Mine You
1963: Ella Fitzgerald (with Count Basie) - Ella and Basie!
1963: Count Basie - This Time By Basie: Hits of the '50s and '60s, Li'l Ol' Groovemaker...Basie!
1963: Lesley Gore - "It's My Party"
1964: Frank Sinatra (with Count Basie) - It Might as Well Be Swing
1964: Sarah Vaughan - Sarah Vaughan Sings the Mancini Songbook
1965: Sammy Davis, Jr. (with Count Basie) - Our Shining Hour
1965: Manos Hadjidakis - Gioconda's Smile
1965: Sarah Vaughan - ¡Viva! Vaughan
1966: Frank Sinatra (with Count Basie) - Sinatra at the Sands
1971: Billy Preston - I Wrote a Simple Song
1973: Aretha Franklin - Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)
1979: Michael Jackson - Off the Wall
1979: Rufus featuring Chaka Khan – Masterjam
1980: George Benson - Give Me the Night
1981: Lena Horne - Lena Horne: The Lady and Her Music
1982: Donna Summer - Donna Summer
1982: Michael Jackson – Thriller
1982: E.T. the Extra-Terrestrial
1983: James Ingram - It's Your Night
1984: Frank Sinatra - L.A. Is My Lady
1984: Various artists - USA for Africa: We Are the World
1987: Michael Jackson – Bad

Audición:

============================
Trevor Horn
Songwriter, bajista, cantante, productor musical
Actividad:
1977 - a la fecha
Datos:
Integrante de los grupos The Buggles, Yes, Art of Noise y The Producers.
BRIT Award en 1983, 1985 y 1992 como Mejor productor británico.
Grammy 1995 – Disco del año (por "Kiss From A Rose")
Aporte:
Pionero en el uso del secuenciador y el sampler en la producción musical (Synclavier y Fairlight).
Su trabajo cambió los estándares de producción de la música pop (perfección rítimica).

Discografía:
2010: Rod Stewart - Once In A Blue Moon — The Lost Album – Producer
2010: Jeff Beck - Emotion & Commotion - Producer
2009: Ou Est Le Swimming Pool - Dance The Way I Feel - Producer
2009: Frankie Goes To Hollywood - Frankie Say Greatest - Producer, Executive Producer
2009: Robbie Williams - Reality Killed The Video Star - Producer
2009: Aviv Geffen - Aviv Geffen - Producer
2009: Kid Harpoon – Once - Producer
2009: Escala – Escala - Producer
2009: Kid Harpoon - Stealing Cars - Producer
2008: Various Artists - Zang Tuum Tumb - The ZTT Box Set - Musical Director
2008: Danny Elfman - Wanted, Original Motion Picture Soundtrack - Vocal Producer
2008: David Jordan - Sun Goes Down - Producer
2008: John Legend - Evolver - Co-producer
2007: David Jordan - Set The Mood - Producer
2007: Various - Tyler Perry's Why Did I Get Married: Music From and Inspired by The Motion Picture - Producer
2006: Art Of Noise - And What Have You Done With My Body, God? - Producer, Co-writer, Performer
2006: Captain - This Is Hazelville - Producer
2006: Delays - You See Colours - Additional Production, Arranger, Performer
2006: Pet Shop Boys - Fundamental - Producer
2006: Pet Shop Boys - Concrete - Producer, Performer, Musical Director
2006: Various -Produced by Trevor Horn (DVD) – Producer, Performer, Musical Director
2006: Tom Waits - Orphans - Performer
2005: G4 - Bohemian Rhapsody – Producer
2005: Lisa Stansfield - If I Hadn't Got You - Producer, Writer, Performer
2005: t.A.T.u. - Dangerous And Moving - Producer
2004: Belle & Sebastian - I'm A Cuckoo - Producer
2004: Lisa Stansfield - The Moment - Producer, Writer, Performer
2004: Tina Turner - All The Best - Producer
2004: Various – Unity, The Official Athens 2004 Olympic Games Album - Producer, Writer, Performer
2004: Various - Produced by Trevor Horn - Producer, Performer, Compiler
2004: Hans Zimmer - King Arthur, Original Score - Co-producer
2003: Pet Shop Boys - PopArt The Hits - Producer
2003: Art Of Noise - Reconstructed... - Producer, Performer, Writer
2003: Belle & Sebastian - Dear Catastrophe Waitress - Producer, Performer
2003: Lovefield - Vivid - Producer, Performer
2003: Various - Mona Lisa Smile, Music from the Motion Picture - Producer
2003: Seal - Seal IV - Producer
2003: t.A.T.u. - Not Gonna Get Us - Producer, Writer
2003: Texas - Careful What You Wish For - Producer, Performer
2003: Various - Veronica Guerin, Original Soundtrack - Producer
2002: Art of Noise - Into Vision (DVD) - Producer, Performer, Co-writer
2002: t.A.T.u. - 200 Km/h In The Wrong Lane - Producer, Writer
2002: Hans Zimmer/Bryan Adams - Spirit, Stallion Of The Cimarron - Co-writer
2001: Various – Ali, Original Soundtrack - Producer
2001: Various - America's Sweethearts, Music From and Inspired by the Movie - Producer
2001: Various - Pearl Harbor - Music From The Motion Picture - Producer
2000: Art Of Noise – Reduction – Producer, Performer, Writer
2000: Lee Griffiths - Northern Songs - Executive Producer
2000: Eros Ramazzotti – Stilelibero - Producer
2000: LeAnn Rimes - Coyote Ugly Soundtrack – Producer
1999: Art Of Noise - The Seduction Of Claude Debussy - Producer, Performer, Writer
1999: Charlotte Church - Charlotte Church - Producer
1999: David's Daughters - Dreaming Of Loving You – Producer
1999: The Frames - Dance The Devil... - Producer
1998: Lee Griffiths - First Things First - Co-producer
1998: Seal - Human Being - Producer
1997: Various - Anastasia - Music From The Motion Picture - Producer
1997: Gary Barlow - Open Road - Producer
1996: The Frames DC – Fitzcarraldo - Producer
1996: Various - Phenomenon: Music From The Motion - Producer
1996: Tina Turner - Wildest Dreams – Producer
1995: Various - Batman Forever - Music from the Motion Picture - Producer
1995: Cher - It's A Man's World – Producer, Writer
1995: Glam Metal Detectives - Glam Metal Detectives - Co-producer, Co-writer, Performer
1995: Shane MacGowan - The Snake - Producer (You're The One, Haunted)
1995: Rod Stewart - A Spanner In The Works – Producer
1994: Tom Jones - The Lead and How To Swing It - Producer
1994: Seal – Seal – Producer
1993: Various - Indecent Proposal - Music from the Original Motion Picture Soundtrack - Producer 1993: Barry Manilow - Could It Be Magic 1993 – Producer
1993: Seal - Love Is Powerful – Remix
1993: Rod Stewart - Lead Vocalist - Producer
1992: Betsy Cook - The Girl Who Ate Herself – Producer, Writer
1992: Marc Almond - The Days Of Pearly Spencer – Producer
1992: Max - Silence Running - Producer
1992: Mike Oldfield - Tubular Bells II - Co-producer
1992: Various – Toys, Music From The Original Motion Picture - Producer, Writer, Performer
1991: Pet Shop Boys - Discography – Producer
1991: Marc Almond - Tenement Symphony – Producer
1991: Terry Reid - The Driver – Producer
1991: Seal - Seal – Producer
1991: Rod Stewart - Vagabond Heart – Producer
1990: Various - Two Rooms - the songs of Elton John & Bernie Taupin - Producer
1990: Inga - Planet Oz – Producer, Writer, Performer
1990: Seal - Crazy – Producer
1990: Rod Stewart – Storyteller - Producer
1989: Paul McCartney - Flowers In The Dirt - Co-producer – Performer
1989: Pet Shop Boys - It's Alright – Producer
1989: Simple Minds - Street Fighting Years - Co-producer
1989: Simple Minds - The Ballad Of The Streets EP - Co-producer
1989: Rod Stewart featuring Ronald Isley - This Old Heart Of Mine – Producer
1988: Act - Laughter, Tears and Rage – Producer
1988: Nasty Rox Inc. - Ca$h - Executive Producer
1988: Pet Shop Boys – Introspective - Producer
1988: Mint Juleps - The Power of Six – Producer
1987: Esquire – Esquire – Mix
1987: Frankie Goes To Hollywood - Watching The Wildlife - Executive Producer
1987: Yes - Big Generator - Co-producer
1986: Frankie Goes To Hollywood - Liverpool - Executive Producer
1985: Godley & Crème - History Mix Vol.1 - Co-producer
1985: Grace Jones - Slave to The Rhythm – Producer, Co-writer, Performer
1985: Malcolm McLaren - Swamp Thing - Co-producer, Writer
1985: Anne Pigalle - ...Everything Could Be So Perfect- Producer
1985: Propaganda - A Secret Wish – Producer, Mix
1985: Various - IQ6, Zang Tumb Tuum Sampled – Producer, Co-writer, Performer
1984: Art Of Noise - Who's Afraid of the Art of Noise? – Producer, Performer, Writer
1984: Frankie Goes to Hollywood - Welcome To The Pleasure Dome – Producer
1983: Philip Jap - Philip Jap - Producer
1983: Malcolm McLaren - Duck Rock - Producer
1983: Yes – 90125 – Producer, Co-writer
1982: ABC - The Lexicon Of Love – Producer
1982: Dollar - The Dollar Album - Producer, Writer, Performer
1982: The Korgis - Don't Look Back – Producer
1982: Spandau Ballet - Instinction - Co-producer
1981: Buggles - Adventures In Modern Recording – Writer, Artist, Producer
1980: The Buggles - The Age of Plastic – Writer, Performer, Producer
1980: Yes - Drama – Writer, Producer, Performer
1979: The Buggles - Video Killed The Radio Star – Writer, Performer, Producer
1979: Chromium - Star To Star – Producer, Co-writer
1979: Dusty Springfield - Baby Blue - Co-writer
1979: Bruce Woolley & The Camera Club - English Garden - Co-writer
1978: Big A - Fly On UFO – Producer, Co-writer
1978: Tina Charles - Makin' All The Right Moves - Co-producer
1978: Chromium - Fly On UFO - Producer, Co-writer
1978: John Howard - I Can Breathe Again - Producer
1978: LIPS - Say Hello To My Girl - Producer
1978: Allan Stewart - Heaven Above - Co-writer
1978: Christopher J. Trevor and the Gnasher Bashers - Oscar and the Great Wooferoo - Producer
1977: Boogatti - Boot Boot Woman - Writer
1977: Fallen Angel and the Tina Charles Band - Don't Come Back - Producer

Audición:

============================
Trent Reznor
Cantante, multinstrumentista, productor musical
Actividad:
1989 - a la fecha
Datos:
Inicios en el rock industrial.
Grabó el primer disco de Nine Inch Nails (Pretty Hate Machine) durante las noches, en el estudio en que trabajaba como asistente.
Con los años ha llegado a ser influencia incluso para sus propias influencias (ejemplo: David Bowie).
Aporte:
Cambió la manera de procesar las voces y los instrumentos.
Ensució el pop renovando completamente su estética (musical y visual). Ejemplos: voces y loops de percusión filtrados y distorsionados, video clips en tonalidad verde muy contrastados y ambientados en edificios y baños en ruinas, etc).
A partir de su trabajo aparece el concepto de «pop alternativo».
Compositor y productor de la música del famoso juego de video Quake.
Discografía como productor musical:
1989: Nine Inch Nails - Pretty Hate Machine
1992: Nine Inch Nails - Broken (EP)
1994: Nine Inch Nails - The Downward Spiral
1994: Marilyn Manson - Get Your Gunn - Co-producer
1994: Marilyn Manson - Portrait of an American Family - Co-producer, Executive producer
1994: various artists - Natural Born Killers soundtrack - Producer, Compiler
1995: Marilyn Manson - Lunchbox - Co-producer
1995: Prick - Prick
1995: Marilyn Manson - Smells Like Children
1996: Marilyn Manson - Antichrist Superstar
1997: various artists - Lost Highway Soundtrack
1997: David Bowie - I'm afraid of Americans
1999: Nine Inch Nails - The Fragile
2004: Jakalope - It Dreams
2004: Zack de la Rocha - Songs and Artists that Inspired Fahrenheit 9/11
2005: Nine Inch Nails - With Teeth
2006: Jakalope - Born 4 - Associate producer
2007: El-P - I'll Sleep When You're Dead
2007: Saul Williams - The Inevitable Rise and Liberation of NiggyTardust!
2007: Nine Inch Nails - Year Zero
2008: Nine Inch Nails - Ghosts I–IV
2009: Jane's Addiction - NINJA 2009 Tour Sampler

Audición:

============================

Nigel Godrish
Tecladista, compositor, ingeniero de grabación, productor musical
Actividad:
1994 - a la fecha
Datos:
Uno de los productores más importantes de nuestros días.
Su trabajo se pasea desde el rock alternativo, hasta la música electrónica.
Colaborador de las bandas Radiohead, Zero 7 y del músico Beck.
El mismísimo George Martin lo recomendó con Paul McCartney en 2005 para producir “Chaos and Creation in the Backyard”; según los medios, el mejor disco del ex-beatle en los últimos años.
Aporte:
Aplica los recursos de la música electrónica al rock y al pop.
Trabajo fino en el tratamiento de los instrumentos acústicos.
Combinando lo mejor de la tecnología análoga y lo digital, consigue nuevas texturas y profundidad.
Producciones:
1994: Radiohead - My Iron Lung EP - Producer, Engineer
1995: Radiohead - The Bends - Engineer, Producer
1995: Harvest Ministers - Feeling Mission – Engineer
1995: Tee – Totally – Engineer
1995: Tim Booth & Angelo Badalamenti - Booth and the Bad Angel – Engineer
1996: Hopper - English and French – Engineer
1996: Sun..! - Sun..! – Engineer
1996: McAlmont and Butler - Sound of..McAlmont & Butler - Engineer, Assistant engineer, Mixing
1997: Radiohead - OK Computer - Balance engineer, Recording technician, Producer
1997: Silver Sun - Silver Sun - Producer, Mixing
1997: Sparks – Plagiarism – Engineer
1997: Natalie Imbruglia - Left of the Middle - Mixing
1998: Beck – Mutations - Producer, Mixing
1998: Jamaica - Sisters in Pain – Engineer
1998: Neil Finn - Try Whistling This - Remixing, Mixing
1998: R.E.M. – Up – Mixing
1999: Jason Falkner - Can You Still Feel? – Engineer
1999: Travis - The Man Who - Producer, Mixing
1999: Pavement - Terror Twilight - Producer
2000: Radiohead - Kid A - Producer, Engineer, Mixing
2001: U2 - "Walk On" - Remixer
2001: Radiohead – Amnesiac - Producer, Engineer
2001: Travis - The Invisible Band - Producer, Mixing
2001: The Divine Comedy – Regeneration - Producer
2002: Brazzaville - Rouge on Pockmarked Cheeks - Producer, Mixing, String ensemble, Fender Rhodes
2002: Beck - Sea Change - Producer, Engineer, Mixing, Synthesizer, percussion, keyboards
2003: Air & Alessandro Baricco - City Reading (Tre Storie Western) – Mixing
2003: Radiohead - Hail to the Thief - Editing, Mixing, Operation, Recording – Producer
2004: The Divine Comedy - Absent Friends – Mixing
2004: The Beta Band - Heroes to Zeros – Mixing
2004: Air - Talkie Walkie - Producer, Engineer, Mixing
2004: Zero 7 - When It Falls - Guitar, Sounds
2004: Band Aid 20 - "Do They Know It's Christmas?" - Producer
2005: Paul McCartney - Chaos and Creation in the Backyard - Producer, Guitar Loops
2005: Beck – Guero – Mixing
2005: Gemma Hayes - The Roads Don't Love You – Mixing
2006: Thom Yorke - The Eraser - Producer, Mixing, Musician, Arranger
2006: Charlotte Gainsbourg - 5:55 - Producer, Mixing
2006: Zero 7 - The Garden - Acoustic guitar, Engineer
2006: Beck - The Information - Producer, Engineer, Mixing, keyboards, Programming, Effects, Scratching, Tambourine, percussion, background vocals, Speak 'n Spell Whistle, Tote A Tune, Kalimba, drums, Game Boy
2006: Silver Sun - Dad's Weird Dream – Remixing
2007: Air - Pocket Symphony – Producer
2007: Travis - The Boy With No Name – Producer
2007: Radiohead - In Rainbows - Producer, Engineer, Mixing
2008: Gnarls Barkley - Odd Couple - Engineer, Mixing
2010: The Hotrats - Turn Ons - Producer, Engineer, Mixing, Additional instruments and noises

Audición:

Notas a la fecha

2010-06-24T13:53:00.000-07:00

Ficha de Asistencias hasta hoy

2010-06-24T12:50:00.000-07:00

El grunge y el punk

2010-06-23T07:14:00.000-07:00

Audios escuchados y sugeridos :

Grunge :

“Smells like teen spirit”, Nirvana , versión en vivo del disco “A Higher State of Mind”, USA, 1998, concierto en MTV de 1992. La versión original es del disco Nevermind, 1991.
“Paper Cuts”, Nirvana , “Bleach”, USA, SubPop Recs, 1989
“The Straight Life", Mudhoney (88-...), Since we’ve become translucent, USA, SubPop Recs, 2002
"Searchin’", Green River (84-88), Dry as bone/Rehab doll, USA 1990
"Alive”, Pearl Jam (1988-...), Ten, USA 1991
"Lukin’ " Pearl Jam, No Code, USA 1996
“Theme Bones”, Alice in Chains (1987-2002 / 2005-...), Dirt, USA 1992
“Plush”, Stone Temple Pilots, Core, 1992

Punk:

“Anarchy in the UK”, Sex Pistols, single, UK 1976
“God Save the Queen”, Sex Pistols, single, UK 1977
“1977”, the Clash, “1977”, UK 1977
“What do I get", the Buzzcocks, “Another Music in a Different Kitchen”, UK 1978
"Psycho Therapy’", The Ramones,”Subterranian Jungle", USA 1983

Postpunk:

“Disorder”, Joy Division,”Unknown Pleasures”, UK 1979
"Dark entries", Bauhaus, In the flat field, UK 1978
“Competition”, Gorilla Biscuits, “Start Today”, USA 1989, HARDCORE
“Flame Still Burns”, Youth of today, ”Break down the walls”, USA 1986 , HARDCORE STRAGHT EDGE

---------------------------------
Algunas definiciones :

Grunge : La música Grunge se caracteriza generalmente por guitarras “sucias”, contundentes riffs, y baterías “pesadas”. El sonido “suicio” proviene de un cambio en el estilo de interpretación del punk, usando comunmente la guitarra distorisionada y acoplando (“feed-back”). El Grunge usa tempi más lentos y más disonancias que el punk, y sus textos normlamente hablan de angustia, enojo, frustración, tristeza, miedo, y depresión, sentimientos porpios de la adolescencia.

http://www.experiencefestival.com/

---------------------------------

Punk : El punk es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de tempos rápidos. El término inglés "punk" tiene un significado despectivo que suele variar, aplicándose a objetos (significando "basura", "suciedad") o a personas (significando "vago", "despreciable", "sucio" o, también, "basura" y "escoria"). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como etiqueta propia, los "punkies" (o "punks") se desmarcan de la adecuación a los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o autodestructivos. Más tarde el significado también serviría para inspirar las corrientes izquierdistas del género, como etiqueta que deshace la condición de clase o rol social con deudas de reputación o apariencia.

http://es.wikipedia.org
---------------------------------

Punk : El punk es una subcultura social de origen urbano. Apareció a principios de los setenta para regresar el rock a sus orígenes. Se caracterizaba, en especial en sus inicios, por su actitud independiente y amateur, demostrando que el rock era, para y de los jóvenes, no exclusivamente de los grandes virtuosos superestrellas. Su música es un tipo de rock, sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, pocos arreglos e instrumentos, y por lo general veloces composiciones. Normalmente las personas que integran este movimiento defienden los principios de igualdad y equidad. No tenían ninguna ideología política concreta pero muchos apoyan el anarquismo, el socialismo o el comunismo, además de otras corrientes ideológicas izquierdistas. Las letras de la música punk van generalmente ligadas a estas ideologías.

http://enciclopedia.us.es
---------------------------------

Punk : En los 70s, la industria cultural había generado un cúmulo de grandes escenarios, donde mega estrellas pop del pop llenas de luces, vestuarios y contratos millonarios con las grandes discográficas, simbolizaban un estilo de vida que no identificaba a muchos jóvenes que se sentían día a día cada vez más marginados por le sistema. Londres fue el epicentro, la Crisis del Petroleo [1], sumada a otros factores, habían traído como resultado una importante desocupación, crecimiento de los barrios pobres, y la perspectiva de un horizonte negro a aquellos sueños de realización que habían sido la meta de las generaciones anteriores. Algunos invirtieron el dinero que les daban en las interminables colas de desempleo, en una guitarra. En los garajes se empezaron a escuchar ruidos, los chicos no tenían tiempo ni dinero para aprender lo que la sociedad decía debía saberse para empuñar un instrumento. Las guitarras se convirtieron en fusiles, tenían mucho que decir y para eso no hacía falta una voz privilegiada, sino todo lo contrario, una voz que gritara realidades.

Punk y Hardcore, Un Antes y un Después en la Música Popular, Carolina Demarchi.

[1] En la década del 70, los países productores de petróleo decidieron recortar la producción y aumentar el precio del crudo provocando un desajuste de las cuentas a nivel mundial
---------------------------------

El punk rock fue una revuelta estética y política, sustentada por una multitud de contradicciones que le daban sentido. El Rock no era su principio básico, sino más bien el blanco necesario de la revuelta.

"La estética de una ira no contenida” , Alejandro Lazo - Hernán Rojas, Revista Adagio n°4, 1989)

El Jazz de Chile 3 (Marcelo Córdova)

2010-06-21T16:12:00.000-07:00

En los 70’ s Miles Davis y sus músicos desarrollan la “fusión", jazz mezclado con rock principalmente.

los 80 : Fusion Criolla

Grupo Quilin: En sus composiciones se destacan elementos polirritmicos y la integración de recursos del jazz moderno con influencias de Weather Report, , Hermeto Pascoal y Soft Machine.

Cometa : Comienza influenciado por el Jazz estadounidense (Steps Ahead). Marcos Aldana esta muy influenciado por el saxofonista Michael Brecker. Angel Parra recién llegado de Paris es el primero en usar la guitarra Midi en el Jazz en Chile, emulando a Pat Metheny. Fue la banda de apoyo en la grabación del disco Enlaces de Isabel Parra, 1986. Despues de esta experiencia Pablo Lecaros y Pedro Green deciden mezclar el Jazz con elementos latinoamericanos que se plasmara en el Trio “La Marraqueta “ en los 90’s .

Al Sur : En 1988 el grupo Alsur graba los primeros registros que integran la música chilena con el lenguaje del jazz moderno. Composiciones originales destacándose el empleo y reelaboración de ritmos folclóricos en 6/8 ej: Isla grande.

Los 90’ : Jazz en el retorno a la democracia

Se genera un mejor acceso a la información (métodos, discos, conciertos en vivo de músicos extranjeros). Existe una mayor difusión del jazz en la radio y tv : Solo Jazz (radio Classica)Red Jazz (Red Tv). A partir de 1989 se presentaron en Chile 25 jazzistas extranjeros tales como Pat Metheny, Chick Corea Electric Band , Herbie Hancock Cobham, Jean-Luc Ponty, Joe Zawinul, Tribal Tech, destacando:

Electric Band, que ejerció una gran influencia en el nivel técnico ,por su virtuosismo: Chick Corea (Piano), Frank Gambale (Guitarra), Eric Marienthal (Saxo), John Patitucci (Bajo) y Dave Weckl (Batería).
Pat Metheny Group con el Tema “Minuano 6/8 del disco Still life talkin’ marca tendencia en la mezcla del jazz con ritmos latinoamericanos .

Ángel Parra, Emilio García (Trifusion ) Christian Gálvez, Jorge Diaz, Carlos Silva, Ramiro Molina, Pancho Molina, Titae Lindl, Cristián Cuturrufo y Claudia Acuña son representantes de la generación de los 90 .

Docencia

1985 indica el inicio de la actividad docente de Patricio Ramírez en la escuela Projazz, que fue la primera instancia académica para el estudio del saxofón en el país. El Instituto Profesional Escuela Moderna de Música inició sus actividades en 1990. Marcos Aldana, forma musicalmente a Ignacio González y a varios saxofonistas destacados a partir del año 2000, como Claudio Rubio, Agustín Moya, Cristián Mendoza, Max Alarcón y Melissa Aldana.

Generacion 00: Apropiacion del Lenguaje

Los Jazzistas Norteamericanos Brad Mehldau (piano), Kurt Rosenwinkel, Mark Turner, Larry Grenadier, Jeff Ballard, Chris Potter, renuevan el lenguaje del jazz con su forma de arreglar los standards y composiciones todos en métricas irregulares (7/8, 9/8, 5/8 ) y complejas armonías. Esto influye la forma de hacer jazz en Chile, mutando desde lo eléctrico de los 90, a lo acústico en el 2000, alejándose de la fusión criolla para buscar un jazz mas internacional. Proliferan los Quintetos con Saxo y Guitarra siguiendo el modelo de Kurt Rosenwinkel:

Nicolas Vera Quinteto
Sebastian Prado Quinteto
Gabriel Reyes Trébol

Se buscan nuevas sonoridades y formaciones como el contracuarteto, cuarteto con dos saxos y sección rítmica; pulso , cuarteto/saxo/batería/guitarra/piano (sin Bajo); o grupos mas grandes como Quintessence, Martin Joseph Pacific Ensemble .

Mayor auge en la música improvisada (improvisacion libre) iniciada en los 90 en Chile por Carlos Silva y Ramiro Molina (grupo Fedon)

Algunos de los exponentes de la generación 00 son :

Saxofones: Melissa Aldana (n. 1988), Andrés Pérez (n. 1983), Cristián Gallardo (n. 1983), Edén Carrasco (n. 1982), Agustín Moya (n. 1981), Diego Manuschevich (n. 1980)
Guitarra: Nicolás Vera (n. 1980), Gabriel Feller (n. 1980), Esteban Sumar (n. 1980), Cristóbal Menares (n. 1979) y Roberto Dañobeitía (n. 1974).
Batería: Hugo Manuschevich (n. 1982), Félix Lecaros (n. 1980), Carlos Cortés (n. 1979), Daniel Rodríguez (n. 1979) y Nelson Oliva (n. 1973).
Piano: Américo Olivari (n. 1979), Carla Romero (n. 1978), Lautaro Quevedo (n. 1976), y Ariel Pino (n. 1974).
Trompeta: Sebastián Jordán (n. 1981 )

El jazz en Chile 2 (Andrés Perez)

2010-06-18T07:23:00.000-07:00

PREHISTORIA DEL JAZZ EN CHILE.

La primera referencia a una audición pública de música negra norteamericana data de 1859, en Valparaíso y 1860, en Santiago. Se trata de la actuación del conjunto vocal e instrumental Ethiopian Minstrels (“Cantores africanos” según sus fuentes), quienes efectuaron un concierto en l Teatro Municipal de Santiago en octubre de 1860.Esta fue una especie de orquesta folclórica compuesta por siete integrantes; C.Henry, director, animador y primer tenor; William H.Smith, segundo tenor; Jose Murphy, cómico y falsete; W.D.Coester, bajo(¿o banjo?); .G. Edwards, violín; P.Sterling, flauta; y J.Wallace, tambor.

Los cantores africanos.-poco variada ha sido la función con que se han despedido, y poco numerosa fue también la concurrencia. No ofrecieron novedad alguna: su música y canto, si no idénticas a las anteriores, fueron por el mismo estilo; pero agradaron al público y éste les aplaudió bastante. Sus escenas grotescas hicieron reír…pero qué sandez no escita a ello! Si van con su música a otra parte, bien recibidos serán, no lo dudamos, pero hagan lo posible por economizar esos que ni son sainetes ni entremeses, y a que ellos dan el titulo de Escenas en los plantíos.

Este fue el comentario final aparecido en El Mercurio de Valparaíso, 24/9/1860.Si bien los comentarios iniciales fueron Alagadores, llego de algunas funciones la crítica ya no les fue tan favorable.

Las primeras grabaciones

Al igual que tanta música del siglo XX el jazz también recibió el impacto del registro fonomecánico, es decir grabación de discos, y el influjo de la industria discográfica. Desde que se consolidaron las dos principales compañías grabadores en Estados Unidos – Victor y Columbia, en 1902.

En el caso del Jazz, mientras éste fue música popular masiva, el disco constituyó en elemento de vital importancia en cuanto a la presencia de la música. El disco fue compitiendo con la presentación en vivo, generando un enorme mercado favorecido por los adelantos tecnológicos que irrumpieron conjuntamente con el sigloXX.

En cuanto a las primeras grabaciones relacionadas con el jazz en Chile, podemos decir que escasamente han podido sobrevivir algunas en el arcaico formato de disco de 78 rpm. De fines de la década de 1920 sólo tenemos conocimiento de tres registros vinculados con nuestro tema: Los Shimmys I tenia un lunar, La estrella y Promesse del Cineasta, compositor y pianista José Bohr ( 1901-94)

La influencia del Jazz en Latinoamérica

La influencia y hegemonía de la cultura norteamericana en América Latina es fruto de un largo proceso favorecido, en un aspecto importante, por los avances tecnológicos que se desarrollaron en el siglo XX. Respecto a la música es indudable que el inicio de la radiodifusión en Chile, el año 1922, la llegada del cine sonoro en 1930, y el perfeccionamiento de las técnicas de grabación, potencian este proceso de aculturación musical en desmedro, muchas veces de la música local.

El Jazz, como manifestación musical norteamericana, canalizó esta influencia y se difundió en América Latina y el resto del mundo. Cómo el Jazz a lo largo del siglo pasado es asumido fuera de sus fronteras originales o , mejor dicho, qué curso adopta en los países qu lo importan, es un asunto bastante relativo, marcado principalmente por las características sociales y culturales de éstos. Sin embargo, grosso modo podemos visualizar al menos tres modalidades de inserción del jazz fuera de Estados Unidos.

• Copia fiel al modelo original del jazz tradicional, que cultiva los primeros estilos, como el de Nueva Orleans y el dixieland o el estilo de Chicago.
• Asimilación de algunos de sus aspectos esenciales a prácticas locales.
• A su vez, el Jazz también ha asimilado elementos de algunas músicas latinoamericanas, recursos tomados de la música caribeña, por ejemplo el Cubop y el Latin Jazz, y la integración de repertorio como ocurrió con el Bossa Nova.

El Jazz en Chile desde sus inicios (1920 A 1940) fue cambiando su función social.

• En los primeros años de contacto con la matriz norteamericana (1920 a 1940) el jazz en Chile fue música popular, masiva y bailable. El jazz compartió el favor del gran público junto a otros repertorios con la tonada, la canción, el vals, el corrido y el bolero.

• Al dejar de ser música popular( hacia fines de los años 40), el jazz sobrevivió gracias al cultivo ( por parte de una elite) de lo que se consideraba el auténtico o verdadero Jazz, despojado de sus connotaciones comerciales. Dicha elite estuvo representada por profesionales liberales y músicos aficionados.

• Al evolucionar en una música de mayor complejidad armónica, técnica y conceptual ( a mediados de los años 60), el jazz de la vanguardia pasó a ser privilegio de especialistas y músicos profesionales. Algunos de estos últimos abrieron la posibilidad de fusionar este lenguaje musical con la música tradicional Chilena.

Pablo Garrido

Compositor de música docta, violinista, escritor e investigador musical, Pablo Garrido Vargas (1905-1982) nació en Valparaíso, en el seno de una familia de artistas. Estudió piano y violín desde muy niño y tempranamente, a los 18 años, estrenó su primera composición musical y dictó su primera conferencia acerca de los compositores chilenos contemporáneos. A los 19, presentó la primera orquesta de jazz que actuó en Chile y a los 20, organizó un concierto de música futurista.

Como músico académico Garrido fue el primer compositor docto chileno que se inspiró en las sonoridades de jazz. Su pieza “Jazz window” ( 1930) para piano y saxo alto es además la primera obra docta nacional escrita para este último instrumento. Como director, organizó y dirigió conciertos de “jazz sinfónico” y de negro spirituals, estrenó el clásico Rapsodia en Blue de Gershwin en 1935 y compuso se “Rapsodia chilena en tiempo de jazz “en 1937.

La vida artística de Pablo Garrido, se divide en dos fases. La primera, hasta comienzos de la década del cuarenta, estuvo asociada a las tendencias de vanguardia, particularmente en la música contemporánea. Durante veinte años, Garrido realizó una labor única de difusión y práctica del jazz en Chile. Su Royal Orchestra, que debutó en 1924, fue producto del ambiente que se vivía en Valparaíso, con bullentes salones de baile ( y frecuentes visitas de marinos norteamericanos que traían las últimas novedades discográficas e instrumentos de calidad. Entre los años 1934 y 1937, Garrido tuvo a su cargo la dirección de la orquesta de jazz del Casino de Viña del Mar. Como músico académico, fue el primer compositor docto chileno que se inspiró en las sonoridades del jazz. Su labor de difusión la complementó con la redacción de artículos de prensa, en su mayoría entrevistas a músicos nacionales vinculados al jazz.
Sin embargo, en forma tan abrupta como misteriosa, Garrido abandonó la actividad jazzística a principios de los años cuarenta, declarando que el jazz no se podía identificar con el espíritu latino y que en Chile dominaban los mistificadores de esta música. Este giro marcó una segunda etapa en la carrera musical de Garrido, en la que se dedicó a componer música docta, a dictar conferencias y a investigar el folclor chileno. En esta línea, en 1944 filmó un documental relativo a la fiesta de la tirana y publicó, a fines de la década de los setenta, el libro Historial de la cueca.

Algunos músicos que se relacionaron con el trabajo de Pablo Garrido y algunos posteriormente hicieron carrera como solistas, destacan; Alberto Fuenzalida (piano), Luis mella*1 (saxo), Ernesto Letelier (batería), Juan Hormazával (trombón), el legendario saxofonista Jorge Martínez , Miguel Briseño, Hernán Gálvez (trompeta), Luciano Dorich (Saxofón), Luis Revello ( Tuba), Renato Cádiz (Batería), Samuel Contreras ( trompeta), Ricardo Suárez ( Contrabajo), Augusto Brown (Banjo y Guitarra)*2, Luis Silva (Guitarra), Juan Santiago Garrido ( Pianista)*3

*1. Autor del Himno de la Armada de Chile y maestro de muchos músicos populares del ambiente radial entre los años 50 y 60.
*2.Un gran instrumentista tanto en el banjo como en la guitarra, no sabía leer música , pero tenía una intuición extraordinaria, según Garrido, pasó a la historia como el introductor del Banjo en el país. En 1933 Garrido reemplazo el Banjo por la guitarra, Brown ocupo el puesto de guitarrista “Con la misma seriedad en la cara y cada vez con mayor agilidad en los dedos”. Sobre la base de esta información es posible postular que Brown debió haber sido el primer guitarrista de jazz en Chile, secundado en los años 30 por Luis Silva, guitarrista desde 1936, y Rafael Ramírez.
*3.Juan Santiago Garrido ( 1902-1994)estudió viola, violonchelo, órgano y violín, llegando a figurar como violinista de la Orquesta Sinfónica. Trabajó como técnico musical en la Compañía Victor, teniendo participación en propaganda, conferencias, concursos de composición y en la grabación de los primeros discos en Chile y Argentina.Luego de su retiro de la Victor se dedico a las comedias musicales,, recorriendo junto a Pablo todos los países del Pacífico hasta Panamá y Cuba. Viajó por Centroamérica y Estados Unidos, y hacia 1935 se radicó en Ciudad de México donde más tarde obtendría la Nacionalidad Mexicana.

Década del 30

En el contexto de la historia del jazz en Estados Unidos, los años 30 corresponden al periodo de mayor gloria de esta música. La denominada Era del Swing, era de las Big Band, constituyó la etapa de mayor masividad en la historia del jazz, periodo en el que se exportó al resto del mundo occidental como música popular bailable y cantable.

La presencia de la música norteamericana escuchada y bailada en Chile durante los años 20 se expresó a través del blues, continental, charleston, foxtrot*, one-step y swing.Se contó además como especies no bailables con los negro spirituals y las revistas musicales.

Cabe destacar que en Chile se compuso foxtrot, y que su principal diferencia con los de origen norteamericano radicó en el idioma de su texto.Se ha podido establecer el cultivo de al menos cuatro modalidades de esta música es nuestro país durante los años 30 y 40:

• Asociado a la forma canción, como los creados por Armando González Malbrán, (Vanidad), Fernando Lecaros o Gamaliel Guerra ( En Mejillones yo tuve un amor).
• Interpretado por orquestas bailables de jazz según la moda del estilo swing. Orquestas como las de Buffy Day o Isidro Benítez correspondían a los que en esos años se denominaba “jazz melódico”*1 o sweet music. Su repertorio eran melodías populares interpretadas con mínimos elementos jazzísticos y sin improvisaciones.
• Interpretado con guitarras, contrabajo y violín ( y eventualmente cantado), siguiendo el modelo del quinteto de Django Reinhardt.Esta modalidad irrumpió en Chile a fines de los años treinta y tuvo sus exponentes mas jazzísticos en el guitarrista Luis Silva y los violinistas Hernán Oliva y Nano Moya.
• Vinculado al hot Jazz*2, modalidad preferida por músicos y aficionados aglutinados alrededor del Club de Jazz de Santiago y sus homólogos en provincia.

En la década de 1930 se distinguen dos categorías entre los compositores chilenos de música norteamericana durante esa década, compositores destacados principalmente en la creación e interpretación ( en el caso de los compositores/directores) de foxtrot, shimmys, one-step, slow fox y jazz sinfónico:

• Pablo Garrido
• Armando González Malbán, que en 1933 dirigía una “típica de jazz” y cuyo slow fox Vanidad es considerado un clásico de la música popular chilena.
• Valentín Letelier Arroyo, compositor de algunos foxtrot, cantante y director de orquesta de jazz.
• Nibal Soto Carvajal, compositor de revistas musicales como El mundo en jazz.
• Andrés Alvarez Calvillo, compositor de Shimmy, one-step y foxtrot.
• Los compositores de música popular- ya sea internacional o chilena-, que incursionan en la música norteamericana, como Armando Carrera, José Goles, Fernando Lecaros, Carlos Melo Cruz, Donato Román Heitmann y Juan Vega.

*1.Jazz melódico: Representaba la vertiente más comercial y estereotipada del jazz comercial que se imponía desde los años 20 en nuestro medio(Charleston, one step, shimmy o foxtrot).Estas melodías eran ejecutadas con algún elemento jazzístico como el contratiempo,, la síncopa la instrumentación – corneta, trompeta, saxofón, batería- o el fraseo , pedidos prestados al jazz norteamericano.

*2.El Hot Jazz: Correspondía a un estilo menos dulzón y más negroide, qu se traducía en un impulso rítmico “hacia adelante”. El hot jazz implicaba una expresión intensa, en donde el punto culminante lo constituía la improvisación de los solistas.

Década de los 40 y 50.

A mediados de la década de los 40 el jazz perdió vigencia como música popular, siendo desplazado por otras modalidades bailables y cantadas, esta vez provenientes del Caribe y otras zonas latinoamericanas. En Chile sobrevivió entonces gracias a la labor abnegada de quienes tempranamente habían valorado en éste cierto sentido estético, por sobre los convencionalismos comerciales que el mercado le había impuesto.

Durante esa misma década comenzó a gestarse un circuito organizado en relación con la práctica del Jazz en nuestro medio. Tal circuito fue creado por un puñado de aficionados particular de jazz.

En el año 1939 se inicia la creación de un club de hot jazz en Santiago. El 2 de marzo de 1939 se publicó en el diario Las Últimas Noticias una entrevista a Mario Quiroz (Director del Programa “Hora de hot jazz” transmitido por la Radio Agricultura) realizada por Pablo Garrido.
Garrido coordinó las acciones siguientes con músicos y aficionados, culminando éstas con al primera reunión donde se sentaron las bases del futuro “Hot Club de Chile” el día Sábado 25 de marzo de 1939.El lugar escogido fue un local nocturno llamado Tabarís ubicado en los subterráneos de Alameda con Estado.

Las reuniones en el Tabarís continuaron realizándose los días sábado durante un periodo no determinado; consistían principalmente en audiciones y comentarios de discos, seguidos de una Jam sesión.Esta primera estapa de vida del club de Jazz ( que algunos identifican como “el club informal”), fue superada en 1943 cuando se realizó la fundación oficial de la institución.

En el año 1944 los socios del Club de Jazz de Santiago (CJS) lograron editar las primeras grabaciones de hot jazz producidas en nuestro medio. Además se consagraron grandes agrupaciones y orquestas; Ases Chilenos del Jazz, que grabarían bajo el auspicio del CJS, los ases del ritmo (Liderado por el trompetista Luis “Huaso” Aránguiz) con Victor “Tuco” Tapia en batería, Woody Wolf en clarinete, Hernán Prado en Piano, Raúl Salinas en guitarra, Iván Cazabón en contrabajo, y Eduardo Orfano en saxo y violín; contaban, en ciertas ocasiones, con Mario Escobar en saxo tenor; como música Invitado.

Entre los principales instrumentistas chilenos de jazz activos durante el periodo en que surgió el CJS, y que se relacionaron con la naciente institución, se estacan:
Luis Aránguiz, Mario Escobar, Victor “Tuco Tapia, Ágel Vales, Iván Cazabón,Rafael Traslaviña, Luis Slva, Jack Brow, Luis “Huaso” Aránguiz y José Luis Córdoba.

Actividades jazzísticas en provincia

El CJS fue el primer club de jazz activo en Chile, constituyéndose en un modelo de organización para otros aficionados al hot jazz en provincias. Las actividades jazzísticas fuera de Santiago se inició en los años 40 y 50, vinculada a clubes de jazz locales. Las ciudades con mayor dinamismo fueron Concepción, Valparaíso / Viña del Mar, y Los Ángeles.

El Club de Hot Jazz de Concepción fue inaugurado el día 29 de Julio de 1944 y su directorio quedó conformado por Edmundo Buddenberg en la presidencia, Axel Anhfelt como secretario, Jorge Rojas tesorero, y Héctor Nuñez y Abdón “Chito” Zomosa como directores.

Al igual que en Santiago, en los inicios de la actividad jazzística en Concepción predominó el accionar de los aficionados por sobre los músicos profesionales. Entre los primeros se destacaron dirigentes como Jorge Rojas (trompeta), Axel Ahnfelt (guitarra) y Héctor Núñez (piano).Las autoridades del club de Concepción organizaron una pequeña orquesta durante 1944, que contó con al participación de varios músicos profesionales como >Mario Astorquiza (clarinete), José Giolito (batería), Raúl Ángel ( contrabajo), Mario Mora (saxo tenor) y Dolorindo Soto ( trombón y trompeta).

En 1945 el Club de Concepción realizó el primer Congreso Nacional de Jazz, donde asistieron una delegación del CJS y los integrantes del conjunto Ases Chilenos del Jazz. Posteriormente el Club de Jazz de Concepción realizó al menos seis festivales de jazz entre los años 1956 y 1965, cuatro de ellos de tipo internacional. Con ellos el Club de Jazz de Concepción contribuyó a la descentralización de la actividad jazzística en Chile, cuyo monopolio Histórico lo ha tenido la capital.

En 1948 arribaron a Valparaíso dos inmigrantes europeos: el italiano Giovanni Cultrera (1931) y el polaco José (Pepe) Hosiasson (1931).Ambos compartieron su amor al jazz y la música negra.Hosiasson enseño a Cultrera sus primeros boogies y blues al piano.

Pepe Hosiasson durante los años en que residió en Valparaíso ( 1948 – 1951), alcanzó a promover el interés por el jazz a través de un programa radial que creó en 1949, transmitido por Radio Recreo de Viña del Mar: A través de su programa “ Conozca el jazz” Hosiasson fue generando un círculo de personas interesadas en esta música, quienes, después de la partida de Hosiasson a Santiago, fundaron el Club de Jazz de Valparaíso y Viña del Mar.
El proceso fue lento, al igual como ocurrió en la capital: En 1950 con el auspicio del Instituto Chileno-Norteamericano, Pepe Hosiasson formó un grupo de interesados que se reunían para escuchar discos.

En 1952 se formó un club de jazz informal en casa de Giovanni Cultrera, pianista que en ese momento se encontraba estudiando leyes.

El Club de Jazz de Valparaíso y Viña del Mar se fundó en 1954, y fue el conjunto de Cultrera el más activo del período en cuando a presentaciones en vivo, más allá de lassesiones en el Club. Cultrera se acompañaba de Álvaro Vicéncio ( saxo tenor y clarinete), Oliva(clarinete y flauta), Acevedo y del baterista Hygo Valdebenito.

Durante ese periodo el repertorio se amplio con la llegada de los primeros discos de bebop y cool jazz.A mediados de los 50 el Jazz moderno en Valparaíso era cultivado por el pianista Tito Ottenberger, vía convenio con la universidad. A esto se agregó el contacto con el núcleo de Concepción y los festivales de jazz organizados allí.En el primer festival, de 1956 el conjunto de Valparañiso/Viña estuvo integrado por cultrera en piano, Álvaro Vicencio en saxo tenor; Sergio Acevedo en trompeta, Roque Oliva en clarinete y flauta. Corrado Cultrera en contrabajo y Hugo Valdebenito en batería.

Los aficionados al jazz si bien “no aceptaban fusiones” del jazz con la música comercial, en Valparaíso hubo una mayor tolerancia respecto de la evolución hacia el jazz moderno.Cuando en 1950 Pepe Hosiasson dio a conocer las primeras grabaciones de bebop y cool jazz *1, los aficionados de Valparaiso pensaron “esto es jazz, con otro lenguaje, otra expresión, pero es jazz: en cambio había en Santiago gente que decía que no, como Retaguardia Jazz Band, que son conservadores”(G.C).

El tercer núcleo de actividad provincial del jazz en Chile se instaló en la ciudad de Los Ángeles. El personaje clave en esas latitudes fue Luis Artigas (1935-2005), contador de profesión, con incursiones en contrabajo y trombón. Creo un programa Radial semanal en Radio Agricultura de dicha ciudad el año 1955, este programa se transmitió durante veinte años , fue la plataforma para generar luego un club de jazz en Los Ángeles.

Este se fundó el 1 de Junio de 1957 con ocho socios entre los cuales se contaba Artigas, Mario Lago, Eugenio Hernández, Rafael Bustos, Santiago Unfan y otros..El entusiasmo de Artigas los llevó a organizar un trio, que se presentó por primera vez en el segundo Festival Nacional de Jazz de Concepción. Posteriormente Artigas y sus amigos organizaron otros conjuntos, como el grupo Bío-Bío Stomp o el quinteto The Strings Five.

El Club de Los Ángeles tuvo su apogeo a principios de los años 60, cuando llegaron a reclutar cerca de 60 socios, arrendaron un local en calle Colón que lo adaptaron para los jam sessions, y organizaron en 1963 un festival de jazz con invitados nacionales y brasileños.

*1.En su origen estos estilos se caracterizaron por su alejamiento de la funcionalidad de baile y por sus sofisticados arreglos, lo cual denota un afán estético en esta música. Si bien la nueva vanguardia del jazz norteamericano (el bebop), tardó hasta la década de los 50 en llegar a Chile, nuestro país se sumó a la dinámica continental al cultivar géneros bailables de origen latinoamericanos.

El jazz en Chile 1 (Roberto Zamora)

2010-06-18T07:16:00.000-07:00

Síntesis y Apuntes de estudio de Historia del Jazz en Chile
Extractos de artículos y Tesis de Doctorado de Alvaro Menanteau

-Fundamentos del desarrollo del Jazz en Chile.

-La práctica y desarrollo del Jazz ha estado marcado por el signo de modernidad, ha respondido desde sus comienzos a un comportamiento imitativo. La imitación del jazz estadounidense en suelo chileno es un reflejo del ansia de modernidad del ciudadano de la periferia del mundo occidental, quien con esta actitud busca estar en contacto con lo moderno. En el siglo XX la modernidad fue asociada con el concepto y la práctica de estar a la moda o seguir la moda en relación a las pautas de pensamiento y comportamiento que irradiaban los centros metropolitanos, los cuales se habían desplazado desde Europa a estados unidos. Este proceso de norte americanización se potencia luego de la 2º guerra mundial, y el jazz se transforma en una expresión de esta política de difusión. También son ejemplos de modernización la influencia del rock&roll y el rock de los 60. La poderosa y sistemática irradiación de elementos culturales de la metrópolis hacia la periferia siempre ha generado problemas al interior de las comunidades que reciben esa influencia externa. Surge entonces el problema de la identidad local como un recurso de autoafirmación por parte de los pueblos que entran en contacto con una cultura foránea. En este sentido, América latina ha sido un territorio constantemente sometido a las influencias de las metrópolis hegemónicas de turno, inicialmente de origen europeo y luego norteamericano. Todos los países de la región llevan a cuestas las secuelas de un pasado colonial común- de denominación política y dependencia económica- que determina el cuestionamiento acerca de cómo funciona la identidad local en esas circunstancias. En sus más de 80 años de historia local, la práctica del Jazz en Chile ha sido estrictamente imitativa durante los primeros 60 años de su desarrollo. Sin embargo, en los últimos 20 años algunos exponentes locales han abandonado la corriente principal, aventurándose a integrar elementos de su música tradicional con el lenguaje jazzístico. Lo anterior ha marcado una diferencia con la dinámica imitativa existente hasta ese momento.

-También hay que considerar aquellos aspectos que atentan contra el establecimiento del espacio cultural latinoamericano, como son la exclusión y la ausencia de voluntad política para potenciar el desarrollo de una cultura local. La exclusión ha estado en la base de la creación de identidades nacionales latinoamericanas, asociada a la práctica del mestizaje y sus cuotas de dominación y explotación. Mientras que las políticas culturales obedecen más bien a exigencias y necesidades de los espacios culturales ya existentes de hecho. Pero, desde el poder, no hay una conciencia de la potencialidad de un espacio cultural común que integre la multiculturalidad interna y externa.

-Una definición de lo que es la identidad pasa por considerarla como “la expresión cultural de la pertenencia a un espacio, por parte de individuos y colectividades”; ello implica el cómo nos percibimos a nosotros mismos y a los otros, y cómo nos relacionamos con los otros y las instituciones

-En 1985 Aharonián (1992:85–86) echaba de menos los estudios sistemáticos que nos guiaran para saber qué tienen en común nuestras músicas tradicionales, es decir, dónde radicaría nuestro modo de hacer cultura musical. Entonces, “la identidad cultural latinoamericana existe […] pero no abunda en expresiones concretas”, y este autor aboga por la “sistematización del conocimiento de lo latinoamericano, y especialmente de los hechos de cultura popular”.

-El tema de la identidad latinoamericana posee diversas versiones. Una es la visión épica de un continente indígena, y luego mestizo, producto de un proceso a gran escala. José Vasconcelos comparaba la antigüedad de la masa de los Andes con las culturas que allí florecieron, incluso antes que aquellas del mundo occidental europeo y oriental. Luego América fue el escenario de la pugna entre las culturas latinas (España y Portugal) y la anglosajona (Inglaterra), producto de la cual aún no nos recuperamos y “no acabamos todavía de salir de la impresión de la derrota” (Vasconcelos 1927:17), para luego “sacudirnos un yugo para caer bajo otro nuevo”. Aún así, Vasconcelos apostaba a que el futuro de una nueva humanidad estaba ligado a los elementos presentes en América Latina, a partir de lo que se estaba formando aquí, en oposición a los conquistadores pasados y futuros, quienes “tienen su cultura ya hecha, y una tradición que […] constituye un peso”.

-Los conceptos de Vasconcelos –expuestos hace más de 80 años, y aún vigentes– conducen a pensar que nuestra región tiene la gran ventaja de ser una sociedad en la que todo –o casi todo– está por hacerse. Esto es particularmente válido en el ámbito de la investigación de temas locales, pero también lo es en cuanto a la creación. El creador latinoamericano dispone inicialmente de dos modalidades de trabajo: cultivar un estilo preexistente en la metrópolis, imitándolo y trasladándolo a su tierra –como es el caso del jazz o el heavy metal cantado en inglés–o bien crear algo diferenciado en la medida que combina lo propio con lo ajeno.

-Pero no olvidemos que América Latina es una región cultural que ha estado –y está– en un proceso constante de cambio y transformación. Una concepción dual de la cultura latinoamericana –lo precolombino, indígena y rural frente a lo foráneo e ilustrado– nos lleva a que ya no podemos hablar de un núcleo cultural endógeno incontaminado, puesto que desde Conquista se viene produciendo el fenómeno de apropiación e integración cultural.

-Los estados nacionales han sido la principal fuente de diversidad en la cultura latinoamericana, ya que la política cultural de estos estados durante 100 años se orientó a la creación de identidades nacionales, siempre a partir de la imposición. Se intentaba imponer una identidad nacional-estatal sobre dos ejes básicos: el Estado y la política. El Estado jugó un doble papel, en tanto organizador de la sociedad como también para darle una dirección a la sociedad. En las sociedades más culturalmente variadas se impone con más fuerza el principio de diversidad, en comparación a las sociedades latinoamericanas más homogéneas y europeizadas –como es el caso de Chile– donde se impone el rechazo a la diferencia

-Esta clase de diplomacia cultural data desde la Guerra Fría, dice Dan Morgenstern, director del instituto de estudios sobre el jazz, en la universidad de Rutgers, en Nueva jersey. “La música fue considerada una buena arma cultural”, y el gobierno auspició a los músicos de jazz específicamente porque “el jazz fue una forma de arte internacionalmente conocida, admirada y respetada, identificada con los Estados Unidos,“ dice. Enviar a músicos de jazz tales como Louis Armstrong y Dizzy Gillespie, fue uno de los pocos medios de penetrar la Cortina de Hierro, continúa Morgenstern.

-A lo anterior se suma la implementación del mestizaje en América Latina, en donde diversas culturas se integran a un sistema dominante que tiende a replegarse en la no aceptación del otro. El mestizaje latinoamericano ha seguido muchas veces ese camino, en donde el criollismo se ha impuesto –al menos a nivel estatal– a partir de la negación de las identidades minoritarias.

-El mestizaje aplicado desde la Colonia se basó en la exclusión, al no considerar válido el aporte de las culturas originarias.

-Así, “el gran problema del mestizaje es que el mundo mezclado negó al sector no mezclado” (Garretón at al. 2003:67). La discriminación inicial sufrida por el jazz en Norteamérica –por ser música negra– es un ejemplo de ello.

-Una tarea inconclusa en América Latina –herencia del mestizaje, en su afán por generar identidades nacionales parcializadas es conocer y aceptar el espacio en que se vive, en vez de aceptar la imposición de una mirada basada en la discriminación. El hecho de que Latinoamérica posea dos lenguas predominantes debería facilitar los procesos de comunicación, favoreciendo asimismo la integración y el (re)conocimiento, pero en definitiva la región es un espacio cultural donde existen identidades múltiples, que no pueden ni debieran ser reducidas a una sola.

-Industrias culturales:

-Luego de casi dos siglos de vida republicana, los Estados latinoamericanos siguen asociando el concepto de cultura con las altas artes plásticas, literatura y música, desentendiéndose de la cultura cotidiana y la entretención de las masas, la cual ha sido entregada al mercado (Garretón et al. 2003:179), donde la iniciativa privada normalmente se moviliza en la búsqueda de generar ganancia. En tal sentido, aún no se han desarrollado políticas culturales que vinculen las industrias culturales con las culturas populares, proceso que realizó con éxito Estados Unidos, al comercializar masivamente y luego exportar su cultura popular.

-Identidad Chilena.

Tareas de la identidad nacional chilena:

a) Al igual que la mayoría de los países de la región, Chile tiene casi 200 años de historia como república independiente y casi 300 años de historia como colonia; ello “ha hipertrofiado la percepción dependiente de la propia identidad en espejo, esto es, haciendo depender nuestra valoración de la percepción de España y los otros países centrales sobre nosotros mismos”.

b) La percepción que sobre nosotros ha tenido la metrópolis ha sido tradicionalmente racista y etnocéntrica. Se nos ha dado una baja valoración por ser indios, mestizos, supersticiosos, subdesarrollados, no occidentales, etc.

c) Tales prejuicios se institucionalizaron luego a través del Estado aristocrático del siglo XIX, reproduciendo la discriminación racista (respecto de los no blancos) y clasista (respecto de los pobres); esto es grave, en la medida que durante el siglo XIX y parte del siglo XX la gran mayoría de los chilenos eran pobres, y gran parte de éstos, no blancos.

d) Lo anterior ha dificultado la valoración de la cultura autóctona, junto con un empobrecimiento y una pérdida de la memoria cultural local. El rechazo a lo indígena y mestizo “implica una identidad negativa y ambivalente inconsciente, junto con el rechazo a la memoria cultural e histórica de las influencias indígenas que nos constituyen”.

e) En Chile existe una cultura insular favorecida por una relación conflictiva con nuestros vecinos, con poca apertura al diálogo, poca aceptación de las diferencias y una importante cuota de desinformación.

-Larraín postula que la identidad chilena se ha formado históricamente con tres características fundamentales (Larraín 2003:69):

a) En relación a los procesos de modernización, diferenciada de los procesos europeo, japonés
o norteamericano.
b) Nos preguntamos por nuestra identidad en períodos de crisis.
c) Una tendencia a presentar la identidad como algo contrapuesto a la modernidad.

Esto último es muy importante, puesto que vincula los ejes de modernidad e identidad, los cuales son centrales en el presente trabajo. Según el planteamiento de Larraín, podemos ser modernos sólo a costa de nuestra identidad, ya que el conectarnos con la modernidad del momento implica descuidar lo propio de nuestra cultura. Por ejemplo, en el caso de la música popular, la tonada chilena descendió al cuarto lugar en cuanto a difusión durante la década de 1930, siendo superada por la canción, el foxtrot y el tango (González 1982:54), especies musicales que representaban el estar al día de aquellos años.

Por otra parte, Larraín sostiene que podemos afirmar nuestra identidad a costa de separarnos de la modernidad. Esto ha ocurrido, por ejemplo, cuando la influencia europea diminuyó en Chile debido a la crisis derivada de la Segunda Guerra Mundial. En ese período la transnacional británica Odeon –que se repartía el mercado discográfico nacional junto con la norteamericana RCA Victor– perdió influencia debido a los costos de producir discos en la Europa en guerra e instalarlos en el mercado chileno; la opción que se implementó fue priorizar las grabaciones producidas por Odeon en Chile, lo cual se tradujo en un auge de grabaciones y difusión de música de raíz folclórica nacional (Astica et al. 1997:24), limitándose así la difusión de los repertorios de moda venidos del extranjero

-La cultura popular posee tensiones e incoherencias, pero su imaginación creadora le ha permitido al pueblo sobrevivir aún en condiciones muy difíciles. Tal fuerza proviene de la lucha por la vida: “el mayor logro de la cultura popular ha sido mantener la vida aplicando la imaginación y utilizando al máximo los escasos recursos disponibles”.19 Según Salazar es la cultura popular la que llama la atención de los extranjeros cuando visitan Chile, mientras que la cultura de elite es más bien criticada por su afán imitativo y poco creativo. Esta dualidad es crucial, puesto que la identidad “sólo puede encontrarse en lo que es genuinamente propio de un pueblo, no en la copia” (Larraín loc.cit).

Y ya que esta actitud creativa no es patrimonio de las clases altas y se concentra en las bajas,este hecho las haría portadoras de la identidad nacional.

-Juan Pablo González afirma que la principal riqueza de América Latina reside en sus recursos naturales y en su cultura popular (González 1986:59), para luego plantear que en la región coexisten dos tipos de cultura diferentes: la cultura pasiva y la cultura activa. La primera es producto de la dependencia económica y social de la región en relación a la metrópolis, y se basa en la imitación de estilos artísticos y formas de vida venidas del Primer Mundo; en buena medida calza con el accionar de la cultura de elite que planteaba Salazar anteriormente. La cultura activa, en cambio, surge de la integración entre las culturas nativas con la herencia europea y con las culturas inmigrantes (tanto de origen europeo como africano), todas reunidas –en diversos grados de intensidad– en la geografía latinoamericana. Ejemplos musicales de esto son géneros como la bossa nova, el tango, el bolero o la salsa; en el contexto de creadores individuales tenemos a Astor Piazzolla, Silvio Rodríguez, Víctor Jara o Caetano Veloso.

SÍNTESIS

1. La idea de que –desde los orígenes medievales de la cultura occidental– lo moderno es sinónimo de lo nuevo.

2. El proyecto modernista de la Ilustración se basa en la idea –sobre una base ética que valora el esfuerzo y dilata la gratificación– del progreso sostenido. Luego esto entra en conflicto con el comportamiento del mercado dentro del sistema de producción capitalista.

3. Se genera entonces una relación tensa y contradictoria entre capitalismo y cultura, derivando en la gestación de una industria cultural, dentro de la cual también se impone la relación entre productos culturales y sus potenciales consumidores, los cuales desarrollan actitudes hedonísticas que antes la ética no aceptaba.

4. La cultura de masas, con su sello masivo y modernizante, pasa a ser un importante espacio donde actúa el mercado, ahora globalizado. Esta cultura de masas es tan importante como para considerar que la estrategia de dominación imperialista de la metrópolis norteamericana recurrió a la exportación de su cultura popular, apoyándose –entre otros productos– en el jazz.

5. Lo anterior desemboca en la posmodernidad, entendida como una manifestación cultural de finales del siglo XX, la cual se expresa a través de reconstruir y deshacer todo lo que queda del viejo mundo moderno. En la posmodernidad ya no se cuenta con los conceptos básicos que cimentaron la modernidad –progreso, racionalización y desarrollo– y sus jerarquías, favoreciéndose la fusión entre diferentes estilos.

6. Ante un mundo posmoderno y globalizado, América Latina es un espacio cultural que posee una historia común como periferia del mundo capitalista, y rasgos compartidos en cuanto al desarrollo y problemáticas de su cultura. Esto ayuda a postular una identidad latinoamericana como una expresión cultural de pertenencia a dicho espacio cultural.

7. Tal noción de identidad latinoamericana pasa por cómo nos percibimos a nosotros mismos y los otros, alteridad que modula la actividad artística y musical de la región.

8. El mestizaje latinoamericano tendió a homogeneizar la cultura local y a segregar al sector no mezclado, lo cual puede entenderse como una consecuencia derivada de las ideas ilustradas aplicadas en América Latina.

9. La sociedad mestiza chilena ha legitimado el racismo y el clasismo, tanto en el nivel institucional como en el privado. Ello ha dificultado la valoración de la cultura autóctona, lo cual –sumado a la condición insular– ha favorecido la valoración del contacto con la metrópolis a través del vínculo estrecho con la modernidad.

10. Como comunidad chilena tendemos a preguntamos por nuestra identidad en períodos de crisis, y llegamos a considerar que podemos ser modernos sólo a costa de nuestra identidad, o bien que podemos afirmar nuestra identidad a costa de separarnos de la modernidad.

11. La cultura popular chilena puede ser valorada por cuanto ella representa la cultura activa en el país, poseyendo cualidades de creatividad, originalidad y autonomía que escasean en la cultura de elite. Por lo tanto, es en la cultura popular chilena donde radicaría la representatividad de nuestra identidad, aún cuando no se trata de un discurso dominante en la sociedad.

Hip Hop

2010-06-16T17:44:00.000-07:00

Temas escuchados en clases y sugeridos:

“Niggaz Are Scared Of Revolution” The Last Poets, “This is Madness”, USA 1971
“Lookin' Good (Shake Your Body)” Eddie Cheeba, Lookin' Good (Shake Your Body), USA 1979
“Zulu Nation Throwdown (Cosmic Force)” Afrika Bambaataa & the Cosmic Force, USA 1980
“Rapper's Delight” Sugarhill Gang, USA 1980
“The Adventures Of Grandmaster Flash On The Wheels Of Steel” Grandmaster Flash - USA 1981
“The Message” Grandmaster Flash & the Furious Five, USA 1982
“Party For Your Right To Fight” Public Enemy, “it takes a nation of millions to hold us back “, USA 1988
“El Pueblo Unido”, Legua York, Chile 2000
"Atrévete", Conspirazión (Chile)
"Vamos", Conspirazión (Chile)

Resumen de los contenidos expuestos (favor de complementar en comentarios, quienes manejen mas informacion sobre este tema.. lo mismo para entradas anteriores):

Hip Hop: acompañamiento musical “cut & paste” del rap, el Hip Hop es una forma de arte avant-garde de procedencia callejera que entró en la con sciencia pop con el levantamiento comercial que tuvo el rap en los 80s. Los términos “Rap” y “Hip Hop” se usan idistintamente - de hecho, Hip Hop es más usado para describir la cultura rap (break dance, graffiti) que para describir la música.

Construído como una escultura, los temas hip hop combinan “sonidos encontrados” (muchas veces samples grabados digitalmente de voces, ruido ambiente, o de otras músicas), pistas de batería en loop (naturales o electrónicas), bajos, riffs de guitarras y manipulaciones de tocadiscos (que producen la música de acompañamiento, y los efectos de scratching, de tartamudeo - stuttering)

The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll, Rolling Stone Press, New York, 1995

Hip Hop: Unificación de cuatro elementos: el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el breakdancing (bboying) y el graffiti. Esta definición sin embargo puede resultar incompleta, ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales ('beats'), e incluso otras manifestaciones no relacionadas con la música, como el streetball (baloncesto callejero) o Skateboarding.
La unión de dos de los elementos, el MC (Master of ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop: el rap.
El bboying es el baile popularmente conocido como breakdance. La persona que practica este baile se denomina bboy, bgirl (fly girl).
El graffiti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los graffitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores).

http://es.wikipedia.org/wiki/Hip_hop

Desde su mundialización, el hip-hop se asienta con mayor arraigo en las capas populares de los países subdesarrollados, sectores marginales donde el descontento y la ruptura sistémica son fenómenos históricos y reproducidos en el tiempo por quienes habitan estos lugares. Así, con su origen denunciante y demandante en los guetos afroamericanos de Nueva York, el hip-hop toma lugar en la vida de personas que canalizan su descontento con creación y lo despliegan con la energía que caracteriza a un sector social importante y —muchas veces— estigmatizado: los jóvenes.
En Chile el hip-hop toma lugar en los años 80 y una de sus primeras ramas (o armas como algunos prefieren decir) en darse a conocer en los jóvenes es el break dance. Con el tiempo, el despliegue de la cultura abarcaría las cuatro ramas en total: el rap, el graffiti, el DJ y el ya mencionado break dance. El hip-hop se expande en el país como un germen liberador de espiritus y conciencias, como un recurso moderno lúdico y creativo el cual identifica, representa y expresa.

Revista ULTIMA DECADA No23, CIDPA VALPARAISO, DICIEMBRE 2005:
CULTURA URBANA HIP-HOP. Movimiento contracultural emergente en los jovenes de Iquique, MARIO MORAGA GONZALEZ, HECTOR SOLORZANO NAVARRO

APORTES:

De Roberto Zamora , buena cronología (en inglés), acá.

Heavy Metal

2010-06-09T18:24:00.000-07:00

Lo visto en clases:

“Master of Puppets” Metallica, “Master of Puppets”, 1986 (USA, Thrash Metal)
“You've got belong it” Pantera, “Reinventing the steel”, 2000 (USA, Thrash Metal)
"Falling away from me" KoRn, “Issues”, 2000, (USA, Nu Metal)
"Du hast" Rammstein, “Sehnsucht”, 1997 (Alemania, Industrial Metal)
“Legions” Stratovarius, “Visions”, 1997 (Finlandia, Power Metal)
“Wake up” Rage Against the Machine, “Rage Against the Machine”, 1992 (USA, Rap Metal)
“Necropedophile” Cannibal Corpse, “Tomb of the Mutilated”, 1992 (USA, Death Metal)
“Run to the Hills” Iron Maiden, “The Number of the Beast”, 1982 (UK, NWOBHM)

Definiciones :

Heavy Metal : Estilo principalmente guitarrístico, que presenta gran virtuosismo y velocidad en sus interpretaciones, y creativo uso de riffs a manera de co-estribillos. El uso del distortion, en complejas cadenas de efectos, suele ser la norma. Durante inicios de los 70’s tiene un primer auge, hoy conocido como Hard Rock :Black Sabbath, Deep Purple, Led Zepellin, etc.. Este primer impulso es continuado por grupos como AC/DC, Van Halen, y muy especialmente, Iron Maiden, grupo que influirá profundamente en los subgéneros venideros.

Thrash Metal : Thrash significa golpear. Estilo de gran riqueza rítmica, de mucha rapidez en sus guitarras eléctricas (de cuidadosos trabajos con distortion, en cadenas con otros efectos), de baterías con dobles pedales, y de voces gritadas. Sus textos incluyen una soslayada crítica social.
Grupos : Metallica, Suicidal Tendencies, Slayer, Megadeth, Overkill, Kreator, Pantera

Nu Metal : Combinación de las tradicionales voces gritadas y guitarras distorsionadas, con elementos poéticos y técnicas de Dj del HipHop. Se ocupan usualmente guitarras de 7 cuerdas, logrando una sonoridad muy grave. A diferencia del Thrash, no habrá una gran búsqueda de solismo guitarrístico. Sus textos son usualmente piscológicvos y/o introspectivos.
Grupos : KoRn, Fear Factory, Limp Bizkit, Epidemic, Godmask, Linkin Park.

Industrial Metal : Mezcla de elementos del heavy metal (Guitarras eléctricas, voces) y techno (patterns de acompañamiento rítmico y melódico).
Grupos : Ministry, Filter, Rammstein, Static-X

Power Metal : Estilo principalmente desarrollado en Europa. Se caracteriza por líneas melódicas vocales muy limpias, y por gran rapidez en su interpretación, siendo este estilo una continuación del antiguo speed metal (Motorhead). Los textos son normalmente basados en temas fantásticos.
Grupos : Helloween, Blond Guardian, Hammerfall, Stratovarius.

Rap Metal : Unión del heavy metal con la técnica declamativa del hip hop. Los textos normalmente presentan una crítica político-social.
Grupos : Rage Against the Machine, Beastie Boys, Anthrax.

Death Metal : Se caracteriza por usar guitarras afinadas más grave de lo usual, y voces guturales muchas veces inentendibles. No hay temas comunes en los textos, tratando estos desde temas macabros (Cannibal Corpse) y guerra (Bolt Tower) hasta motivos cristianos (Mortification). Se identifica con la brutalidad, la velocidad y los cambios métricos y/o de tempo.

NWOBHM : Abreviación de New Wave Of British Heavy Metal, y se trató de una reformulación de la música de grupos de los 70s como Black Sabbath, Deep Purple, Grand Funk Railroad y Led Zeppelin (este estilo hoy se conoce como Hard Rock, para diferenciarlo del heavy metal posterior al NWOBHM).

Seminarios Inscritos

2010-06-09T18:19:00.000-07:00

15 de junio :

Daniel Lizana : el productor musical (nota = 7.0)
Roberto Zamora, Andrés Perez, Marcelo Córdova: el jazz en Chile (notas = 7.0, 7.0, 7.0)

29 de junio :

Emilio García, Paulo Paranhos y Gabriel Reyes : breve historia de la guitarra eléctrica
Felix Carbone : la world music

06 de julio :

Luciano Valdebenito: el tango
Miguel Torreblanca: el black metal

20 de julio :

Marcelo Aedo, Diego Aburto: el pianista Bill Evans
Guillermo Jimenez, Andrés Luna, Alejandro Ramírez: la balada romántica en español

10 de agosto :

Ramiro Molina : otra música popular
Victor Contreras: diversidad / homegeneidad. comentarios acerca de las industrias musicales y las comunidades de tradición oral

31 de agosto :

Germán Concha, Patricio Fuentes y Dámaso Pinto: la cueca
Magdalena Matthey, Elizabeth Morris, Juna Valladares: el bolero

Techno

2010-06-02T15:15:00.000-07:00

A continuación, lo escuchado en clases (con links a youtube):

“Implant” de Eat Static, cd “Implant”, San Fco. / USA, 1994 - TRANCE
"Something Better" de Dj Arje , Alemania, 2010 - DRUM & BASS
“Acid Trax” de Phuture, cd “Acid Classics”, 1986 - ACID HOUSE
“Jungle Liquid Sky” de Dj Soul Slinger, cd “This is Jungle sky”, 1993 - JUNGLE
“First light” de Harold Budd & Brian Eno, cd The Plateaux of Mirrors - Ambient2, 1980 - AMBIENT
“Telling Lies” de David Bowie, cd Earthling, 1997

Algunas definiciones:

Techno: Estilo de música bailable generada computacionalmente que junta el omnipresente beat del disco con la rapidez incendiaria del punk. Sus artistas son DJs que usan tornamesas, samplers digitales, y secuencias para combinar una aparentemente ilimitada paleta de sonidos (fragmentos de canciones pregrabadas, ritmos de batería, silbidos, conversaciones televisivas, y así) en suites extensas de música bailable. Desarrollado en Detroit por Derrick May, fue nutrido en el Reino Unido durante los 80’s en las fiestas psicodélicas underground llamadas “rave”, las que duraban toda la noche. (...) El techno alcanzó una relativa popularidad de culto a comienzos de los noventa, cuando algunos sellos grandes empezaron a contratar y promocionar algunos músicos como Moby, 808 State, The Orb, etc. Pese al éxito musical, la mayoría de los artistas techno prefieren permanecer en el anonimato (...).
“The New Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll”, Rolling Stone Press, EE.UU, 1995
NOTA : RAVE = Hablar con entusiasmo

Trance : género, compuesto por sonidos sintéticos, pedales, atmósferas envolventes, arpegios, y temáticas alienígenas. Suele tener una frecuencia de percusión mayor de 130 BPM.
Sven Vath y Dag Lerner fueron algunos de los pioneros en este estilo de música, además el club The Omen en la ciudad de Frankfurt, fue el núcleo central de nacimiento y difusión del género, hacia principios de la década de 1990.

Drum & Bass: (abreviado con las contracciones drum'n'bass, drum & bass, D&B o D'n'B) es un tipo de música electrónica que surgió en Inglaterra a principios de los años 90. El género se caracteriza por baterias aceleradas (típicamente entre 160 y 190 bpm), uso de break beats ,y poderosas líneas de bajo. Deriva del JUNGLE.

Acid House : Evolución del house hacia los sonidos crujientes, repetitivos y lisérgicos creados con el aparato TB-303 de Roland. Su símbolo fue el famoso “Smiley”, y sus inventores el grupo Phuture (DJ Pierre y Spanky) con el tema “Acid Trax” (editado en 1987). En 1988 el acid house dio origen en Gran Bretaña al denominado “Verano del Amor”.

Jungle: incorpora influencias del techno y de la escena jamaicana existente en Inglaterra en los años 80. Existe un importante debate acerca de la diferenciación entre Jungle y Drum and Bass, pues ambos términos se utilizan indistintamente en numerosas ocasiones.

Ambient (Notas interiores de Music for Airports - Ambient 1 de Brian Eno. 1978):

Un ambiente se define como una atmósfera, o una influencia que nos rodea: un matiz. Mi intención es producir piezas originales aparentemente (pero no exclusivamente) para momentos y situaciones particulares con el objeto de construir un pequeño pero versátil catálogo de música ambiental que encajen con toda una variedad de humores y atmósferas.
Mientras que la música enlatada les sirve a las empresas para estandarizar ambientes dejando en blanco su acústica e idiosincrasia atmosférica, la música ambient pretende potenciar éstas. Mientras que la música convencional de fondo se produce para despojar de todo sentido de duda e incertidumbre (y así todo interés genuino) a la música, la música ambient retiene esas cualidades. Y mientras que su intención es "abrillantar" el entorno añadiendo estímulos al mismo (y así supuestamente aliviar el tedio de las tareas rutinarias y equilibrar los subidones y bajones naturales del propio cuerpo) la música ambient pretende inducir la calma y un espacio para pensar.

Contexto histórico - Ochentas:

Aumento de las tensiones de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética. La amenaza nuclear se hace más potente que nunca, por lo que a mediados de la década se produce un acercamiento entre los dos bloques, que se ve favorecido principalmente por las políticas conocidas en Occidente como Glásnost y Perestroika, del mandatario soviético Mijaíl Gorbachov (elegido secretario general del PCUS en 1985).
En 1989 la URSS y el bloque soviético en general se encuentran más debilitados que nunca. En noviembre el muro de Berlín que encarnaba la división de dicha ciudad desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, fue demolido por los propios berlineses, dando con ello el golpe de gracia a la era soviética.
1982-1986: Estados Unidos ataca a la Libia de Muamar Gadafi, como represalia por ataques terroristas supuestamente patrocinados por ese país.
El presidente de EEUU entre 1981 y 1989, Ronald Reagan, presenta una serie de medidas económicas de libre mercado, popularmente conocidas como Reaganomics, que sientan las bases de la economía neoliberal de los años venideros.

Por ultimo, algunos links de interés:

El TB-303 de Roland en acción, junto al TR-606
de Brian eno, AMBIENT 1, Music for Airports (lado 2, parte 2)
Guia de Música Electrónica, colaboración de Roberto Zamora. Muchos otros subgéneros, con ejemplos de audio. En Inglés.
Pueblo Nuevo Netlabel, sello de música electrónica chilena de libre circulación.

Pop

2010-05-28T08:13:00.000-07:00

En la clase, escuchamos (va con link a youtube) :

“Fast Love” de George Michael, del cd “Older”, 1996

Recomiendo, además, las sgtes. audiciones, como ejemplos de pop a través de la historia (también con links a youtube)

"In da club" en versión de Beyoncé, 2003, (tema original de “Rapper 50 cent”)
"Discotheque", de U2, del cd "Pop", 1997
“Keep it together” de Madonna, del cd“Like a Prayer”, 1989
"Maneater" de Hall and Oates, del disco H2O, 1982
"Do you thik I’m Sexy" de Rod Stewart, del disco "Blondes have more fun", 1978
"Stop! In the name of love" de The Supremes (1967)

Les transcribo las definiciones de pop propuestas en clases:

Básicamente, cualquier música popular que hace énfasis en su accecibilidad, rápida empatía y memorabilidad, para lo que ocupa estructuras rítmicas distintivas, agrupaciones instrumentales novedosas, ritmos bailables, riffs repetitivos. Sin embargo, su signo fundamental es el énfasis melódico (…). Aunque la palabra pop es usada a veces como epiteto para sugerir liviandad, superficialidad o disponibilidad, es también ocupada como un sustantivo, y más como una aproximación estilística que como un género específico. Del jazz al metal, del new age a la música alternativa, se pueden encontrar desviaciones pop, incluso en las más puras de las formas.
The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll
Rolling Stone Press, New York, 1995

La música pop es un género musical que, al margen de la instrumentación y tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal "verso - estribillo - verso", ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros géneros musicales están en las lineas vocales melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas. La música pop moderna tienes unos componentes comunes de ritmos fuertes y vivaces y melodías simples, a menudo pegadizas. La mayor parte de los temas pop suelen ser canciones. La palabra "pop" proviene de la abreviación en inglés de la palabra popular.
Históricamente, la expresión "música pop" no era entendida como un género musical con características musicales concretas. Lo catalogado como música "Pop", apócope de “música popular”, era entendida como lo contrario a la música de culto, a la música clásica. Bajo esta definición entraban géneros como, el funky, el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como ese gran grupo de música para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido ganándose su acepción como género musical independiente, librándose, además, del sentido peyorativo y negativo al que se le vinculaba.
http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_pop

La música pop se produce como una cuestión de empresa, no de arte ... está diseñado para atraer a todo el mundo» y «no proviene de ningún lugar en particular o marca ningún gusto particular. No está conducida por ninguna ambición significativa, excepto el lucro y la recompensa comercial ... y, en términos musicales, es esencialmente conservadora. Es proveída siempre desde lo alto (por las compañías discográficas, programadores de radio y promotores de conciertos) en lugar de estar hecha desde abajo ... El pop no es una música "hecha por uno mismo", sino que es profesionalmente producida y envasada.
Fred Frith, “The Cambridge Companion to Pop and Rock (Cambridge Companions to Music)”, Cambridge University Press 2001.

Sesion 1

2010-05-28T08:10:00.001-07:00

Estimados:

Pueden bajar un resumen de lo propuesto en la sesion 1, desde aca:

Guía para el análisis musical, desde una perspectiva semiótica

Les recuerdo usar la alternativa de comentarios a este blog, para compartir links, ideas, debates, etc.

saludos
JMC

Plan del curso

2010-05-10T16:36:00.001-07:00

Estimados:

este es el plan del curso:

saludos
JMC

Link a pagina del IASPM

2010-05-10T12:47:00.000-07:00

En las actas de la rama latinoamericana del IASPM (Asociación Internacional para el Estudio de la Música Popular) pueden encontrar información interesante, factible de desarrollar en los seminarios. Algunos posibles:

Joaquín Borges-Triana: Música Cubana Alternativa: Del margen al centro
Neris González Bello, Liliana Casanella Cué, Grizel Hernández Baguer: El reguetón en Cuba. Un análisis de sus particularidades
Claudio Gabriel Castro, M. Laura Novoa: El productor discográfico como mediación determinante en el resultado estético-formal en el rock latinoamericano actual. Una aproximación a sus múltiples competencias a través del trabajo de Gustavo Santaolalla
Javier Osorio Fernández: Música popular y postcolonialidad. Violeta Parra y los usos de lo popular en la nueva canción chilena
Diego Madoery: Gustavo Santolalla. El productor artístico en el contexto del rock latinoamericano
Álvaro Menanteau Aravena: Función social de jazz en Chile
Marisa G. Restiffo: Pescado soluble: el surrealismo de Luis Alberto Spinetta
Agustín Ruiz : MEDIATIZACIÓN DEL CANCIONERO TRADICIONAL CHILENO: ¿FOLKORE MUSICAL O MÚSICA POPULAR?
Cláudio Rolle : LA GEOGRAFÍA DE LA MÚSICA POPULAR TRADICIONAL EN EL CHILE A MEDIADOS DEL SIGLO XX (Version en PDF)
Gabriela Goldenberg : LA MÚSICA DE ASTOR PIAZZOLLA. ASPECTOS ESTILÍSTICOS Y ESTRUCTURALES DE SU (DES)TERRITORIALIZACIÓN (Version en PDF)
Lorena Guillén : RELACIÓN TEXTO/MÚSICA: PROCESOS PERCEPTIVOS EN LA CANCIÓN POPULAR (Version en PDF)
Rodrigo Díaz Cuevas: MAURICIO REDOLES: “¿QUIÉN MATÓ A GAETE?” O LA CANCIÓN DESPROGRAMÁTICA DEL MALESTAR (Version en PDF)
Rodrigo Torres Alvarado: EL ARTE DE CUEQUEAR : IDENTIDAD Y MEMORIA DEL ARRABAL CHILENO
Damián Rodríguez Kees: La función de la vanguardia en la música popular latinoamericana a través de la canción Épico de Caetano Veloso
Claudio Rolle: Del Cielito Lindo a Gana la gente: música popular, campañas electorales y uso político de la música popular en Chile
Vanessa Knights :El bolero: expresión de la modernidad latinoamericana
Christian Spencer : Folklore e idiomaticidad: Violeta Parra y su doble pertenencia a la industria cultural